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Especiales - 65 Festival de Cine de San Sebastián

 

INTRODUCCIÓN

Este año hemos batido nuestro propio récord de visionados de pelis y durante nuestra estancia en Donostia pudimos ver 42 películas (y no dormirnos en ninguna!), de las que iremos colgando las críticas completas por aquí de manera escalonada, ya que este año se nos solapan más que nunca tres festivales de cine a los que asistiremos, San Sebastián, Sitges y Seminci. Como viene siendo habitual en los últimos años, el nivel medio de la Sección Oficial es correcto, pero cuesta encontrar películas que dejen una huella perdurable en el tiempo y, a menudo, para conseguirlo hay que refugiarse en algunas de las secciones paralelas como Perlas. Este año hemos prestado especial atención a las interesantes propuestas de Nuev@s Director@s y apenas hemos podido asomarnos a otras secciones como Horizontes Latinos y Zabaltegi-Tabakalera, ya que sus proyecciones coincidían siempre con pases de prensa de Sección Oficial.

 

CRÍTICAS

PERLAS

'MOTHER! (MADRE!)' de Darren Aronofsky (EEUU) -122 min.-
Intérpretes: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris.

(Sección Perlas)

Sinopsis: La relación de una pareja se pone a prueba cuando unos invitados inesperados llegan a su casa e irrumpen en su tranquila existencia. Un fascinante thriller psicológico sobre el amor, la devoción y el sacrificio.

'Mother!' es una de las películas del año y una de las más polémicas... Obra de culto instantánea que hará desfilar de la sala a muchos espectador incapaces de entrar en el malévolo y salvaje juego que propone, hará las delicias de los que busquen emociones fuertes y riesgo formal sin límites. Parece increíble que en los tiempos que vivimos actualmente (cinematográficamente hablando), alguien sea capaz de atreverse a rodar una película como esta, que logre involucrar a estrellas rutilantes como Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer o Ed Harris y que, encima, logre convencer a suficientes inversores para llevarla a cabo. Es sorprendente e igualmente gratificante, nos da esperanza para que el cine no viva adormecido dentro del convencionalismo de la comercialidad y aún haya creadores como Darren Aronofsky que sean capaces de arriesgar y proponer sanas locuras como esta. 'Mother!' es paranoia y reflexión, tormento y éxtasis, todo ello envuelto con el vistoso manto de un thriller que a través de una campaña publicitaria engañosa habrá arrastrado a más de un insensato que no tenía ni idea de lo que se iba a encontrar. La película es una fábula, una gran metáfora sobre la creación que dispone de varios planos de lectura y aunque es posible quedarse en la epidermis de una home invasion a lo bestia, los interrogantes que aparecerán en la mente de cualquier espectador llevaran a quien quiera hacerlo a profundizar en la fascinante y barroca propuesta. 'Mother!' no es perfecta, es grandilocuente, ambiciosa y hasta pedante, le sobra metraje y Bardem está sobreactuado, pero el asombro que provoca su valentía y arrojo son incuestionables. Jennifer Lawrence anda un poco perdida en el caos, igual que su personaje, pero tanto Michelle Pfeiffer como Ed Harris bordan sus personajes. Poco más se puede comentar de la película sin hacer spoilers, un film que habla sobre la generación de ideas, las musas y la fama, en una de sus capas, también de la maternidad, en otra, y hasta propone una secuencia bíblica completa en una última capa, porque en esta película Madres hay más de una y la principal es la Madre Naturaleza.

 

'JUSQU'À LA GARDE / CUSTODY (CUSTODIA COMPARTIDA)' de Xavier Legrand (Francia) -90 min.-
Intérpretes: Denis Ménochet, Léa Drucker, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Saadia Bentaïeb, Sophie Pincemaille, Emilie Incerti-Formentini.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Myriam y Antoine se han divorciado. Para proteger a su hijo pequeño de su violento marido, Myriam pide la custodia, pero la juez decide concederla compartida entre ambos cónyuges. Víctima de un padre celoso, y en el afán de proteger a su madre acosada, Julien hará todo lo que esté en su mano para que no ocurra lo peor.

'Custody' es un drama familiar que fue una de las películas que mejor acogida tuvo durante el Festival de Cine de San Sebastián, tanto a nivel de público que le otorgó el Premio como Mejor Film Europeo, como por parte de la crítica. Sin embargo, a nosotros nos pareció un film sobrevalorado y lo que es peor, efectista, manipulador y tramposo. Está claro que tratar en el cine un tema como los malos tratos y la violencia de género no es fácil, tampoco es sencillo posicionarse en contra de un film que denuncia estos temas de forma contundente, pero creemos que Legrand juega sucio. Para empezar ese título que nos habla de 'Custodia Compartida' sin que ese sea el tema central, sino una trampa para posicionarse claramente en contra de esa posibilidad cuando existe un conflicto de pareja para hacerse cargo de los menores en una separación. Pero hablar de un tema tan delicado como la custodia y hacerlo a través de un personaje posesivo, maltratador y obsesivo como el protagonista no es de recibo, el posicionamiento del espectador está claro, es imposible empatizar con ese hombre perturbado y acosador. Ahí la película funciona mejor, como thriller de terror cuando se nos muestra a la madre y al hijo acosados por el ex-marido, sufriendo su constante control, su vigilancia y su maltrato psicológico, son las mejores secuencias cuando Legrand muestra la situación con un realismo aterrador y desasosegante, donde el peligro acecha en cada esquina y en cada palabra. Pero en su desenlace la película vuelve a caer en su propia trampa, planteando un final más propio de un telefilm de sobremesa que de una reflexión seria sobre el tema, no se es más efectivo para una denuncia social cuanto se busca el impacto fácil.

 

 

VELODROMO

'FE DE ETARRAS' de Borja Cobeaga (España) -90 min.-
Intérpretes: Javier Cámara, Gorka Otxoa, Julian López, Miren Ibarguren, Ramón Barea.

(Sección Velódromo)

Sinopsis: Fe de etarras es una insólita comedia de humor negro que transcurre en el cálido verano de 2010 en una capital de provincias española. Un peculiar comando, formado por un veterano que necesita demostrar que no es un cobarde, una pareja cuyo compromiso depende de la continuidad de la banda y un manchego que se cree que entrar en el comando le hará sentir como si fuera Chuck Norris, se atrincheran en un piso franco a la espera de recibir una llamada para pasar a la acción. Mientras tanto, la selección española arrasa en el Mundial de Sudáfrica y todo el país lo celebra a su alrededor, para mayor frustración del ridículo comando.

'Fe de Etarras' es una comedia que se presentó dentro del marco del Festival de San Sebastián poco tiempo antes de su estreno directamente en TV a través de la plataforma de VOD Netflix. La película escrita por Borja Cobeaga y Diego San José, y dirigida por el primero que fue el encargado de llevar a la pequeña pantalla aquella antológica serie de humor en ETB llamada 'Vaya Semanita' donde se parodiaba sin ningún tipo de tapujos la situación política del país en una época donde la banda terrorista ETA aún seguía pegando tiros en la nuca de los que no pensaban como ellos. Con 'Fe de Etarras' volvía a retormar el tema, dando protagonismo precisamente a un pequeño comando etarra con ganas de atentar en pleno declive de la banda y con el Mundial de Sudáfrica que ganó España como sarcástico telón de fondo, como ya utilizó Daniel Sánchez Arévalo en 'La Gran Familia Española' (2013). Poco hay en esta 'Fe de Etarras' de la originalidad y frescura de los primeros trabajos de Cobeaga, con chistes pasados de moda y un humor poco incisivo, parece que se busca repetir el éxito del bombazo de cine español que co-escribieron ambos autores en '8 apellidos vascos (Emilio Martínez-Lázaro, 2014), pero como en aquella, ese humor facilón y balnco resulta decepcionante, poco queda ya en el espíritu cómico de esta película la mala leche que desprendía 'Vaya Semanita' y es una pena.

 

PROYECCIONES ESPECIALES PREMIO DONOSTIA

'LA CORDILLERA' de Santiago Mitre (Argentina - España - Francia) -114 min.-
Intérpretes: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Elena Anaya, Daniel Giménez-Cacho, Alfredo Castro, Gerardo Romano, Leonardo Franco, Paulina García, Christian Slater.

(Sección Proyecciones Especiales)

Sinopsis: En una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera.

'La Cordillera' es un extraño thriller político que no termina por concretar su interesante premisa ambientada en una cumbre política latinoamericana en un entorno atmosférico ideal que hubiera permitido reflexionar y debatir sobre la compleja situación actual de algunos países y como la estrategia política en la toma decisiones puede afectar la convivencia y el bienestar de millones de ciudadanos. Santiago Mitre junto a Mariano Llinás escriben un guion plantea algunos interrogantes y situaciones interesantes, pero desde una óptica desapasionada y cayendo en algunas incongruencias que conducen a la película a un clímax poco atractivo y un desenlace bastante decepcionante y frustrante. Además, al margen de la intriga política, se introduce con calzador una historia de traumas personales con tendencia literal al psicoanálisis que fragmenta la narrativa y desconecta ambas tramas sin que posteriormente se nos lleve a una conclusión que determine el sentido de esa subtrama (la que protagoniza Dolores Fonzi). Al frente de un reparto coral sólido, Ricardo Darín brilla como es costumbre en él y también destaca la presencia de Daniel Giménez-Cacho. 'La Cordillera' es un thriller sin demasiado suspense, donde la política de despachos no resulta lo suficientemente fascinante para relatar la complejidad moral en la que se mueven nuestro políticos en la toma de decisiones.

 

ZABALTEGI-TABAKALERA

'GEU-HU / THE DAY AFTER' de Hong Sang-soo (Corea del Sur) -92 min.-
Intérpretes: Kwon Hae-hyo, Kim Min-hee, Kim Sae-byuk, Cho Yun-hee.

(Sección Zabaltegi-Tabakalera)

Sinopsis: Areum se dispone a vivir su primer día de trabajo. Bongwan, su jefe, mantenía una relación amorosa con la mujer a la que Areum está sustituyendo. Esa relación acaba de romperse. Ese día, como todos, Bongwan abandona el domicilio conyugal mucho antes del alba para ir a trabajar. No deja de pensar en la mujer que se ha marchado. Ese mismo día, la mujer de Bongwan encuentra una carta de amor. Se presenta en el despacho sin avisar y confunde a Areum con la mujer que se ha marchado.

'The Day After' es la nueva película del cineasta surcoreano Hong Sang-soo, cuya presencia es habitual en la mayoría del festivales mundiales y que ha desarrollado un estilo muy particular que me tiene bastante desconcertado, ya que tiene obras que me fascinan como 'Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da' (Ahora sí, antes no, 2015) y otras que me aburren profundamente como 'Dangsinjasingwa dangsinui geot' (Lo tuyo y tú, 2016), con la que precisamente obtuvo la Concha de Plata a Mejor Director en la edición de 2016 de este mismo Festival. En 'The Day After' vuelve a repetir fórmula, su historia vuelve a centrarse en las relaciones personales y sentimentales de un grupito variopinto de personajes, con mujeres celosas y hombres borrachuzos, en un tono de comedia ligera aderezada con largos diálogos filmados en planos secuencias con la cámara fija y algún que otro zoom ochentero bastante desconcertante. En esta ocasión, vuelve a parecerme una obra menor y anecdótica, con una historia que podría contarse con más gracia en unos 15 minutos. Bonito blanco y negro de Kim Hyung-koo para retratar este relato made in Sang-soo con la presencia de una de sus actrices fetiches Kim Min-hee como protagonista femenino.

 

HORIZONTES LATINOS

'LAS HIJAS DE ABRIL' de Michel Franco (México) -103 min.-
Intérpretes: Emma Suárez, Ana Valeria Becerril, Hernán Mendoza, Joanna Larequi, Enrique Arrizon, Iván Cortés, Giovanna Zacarías, José Ángel García, Tony Dalton.

(Sección Horizontes Latinos)

Sinopsis: Valeria tiene 17 años y está embarazada. Vive en Puerto Vallarta con Clara, su hermanastra. Valeria no ha querido que Abril -la madre, que lleva mucho tiempo ausente- se entere del embarazo. Sin embargo, Clara, ante la presión económica y las responsabilidades que implica tener un bebé en casa, decide llamarla. Abril llega con disposición de ayudar a sus hijas, pero pronto entenderemos por qué Valeria prefería mantenerla lejos.

'Las Hijas de Abril' es un asfixiante drama familiar dirigido por Michel Franco, un cineasta sin complejos y siempre polémico que siempre aborda temas difíciles de digerir por el espectador como la eutanasia en 'Chronic' (2015) o el bullying en 'Después de Lucía' (2012), su obra más redonda y desgarradora realizada hasta la fecha. Con una realización más convencional, nos propone esta vez una disección de la maternidad desde un punto de vista arriesgado y poco amable que nos hará remover nuevamente las entrañas en algunas de sus secuencias, como siempre logra el cabroncete de Franco. Con una Emma Suárez imponente en su desagradable personaje, rodeada de jóvenes y valientes actrices como Ana Valeria Becerril o Joanna Larequi, el talentoso director se muestra como un excelente director de actrices como ya demostró con Tessa Ia en la citada 'Después de Lucía', llevando a sus personajes al precipicio emocional, lleno de contradicciones tan humanas como poco transitadas cuando se trata el tema de la maternidad en el cine. 'Las Hijas de Abril' es cine de impacto, una drama que habla aparentemente sobre las relaciones familiares que se torna oscuro y mórbido, sexual y dramático, con una parte final verdaderamente desasosegante. 'Las Hijas de Abril' ganó el Premio del Jurado Un Certain Regard en el pasado Festival de Cannes.

 

NUEV@S DIRECTOR@S

'MATAR A JESÚS' de Laura Mora (Colombia - Argentina) -95 min.-
Intérpretes: Natasha Jaramillo, Giovanni Rodríguez, Camilo Escobar, Carmenza Cossio, Juan Pablo Trujillo, José David Medina, Juan Camilo Cárdenas.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Paula, una joven estudiante de 22 años, presencia el asesinato de su adorado padre, un popular profesor de ciencias políticas de una universidad pública de la ciudad de Medellín. Desde la distancia, logra ver al asesino mientras se aleja a toda velocidad en una motocicleta. Devastados por el dolor tras los hechos, Paula y su familia tendrán que enfrentar la indolencia oficial. Las autoridades no harán ningún esfuerzo por esclarecer lo ocurrido y el caso pronto quedará archivado y suspendido. A la llegada de la Navidad, un par de meses después del asesinato, Paula de manera accidental se cruzará con Jesús, el joven asesino de su padre. ¿Qué pasa entonces cuando la venganza se presenta como una posibilidad real? Paula decide acercarse a este hombre, inicialmente motivada por un instinto casi primitivo de encontrar respuestas y eventualmente de ser capaz de cruzar la línea moral y ética de matar a un hombre y así vengar la muerte de su padre.

'Matar a Jesús' es un thriller dramático vigoroso y con sustancia, se dice que inspirado en la propia realidad vivida por la directora durante su juventud. Un historia dura y realista que nos muestra la Colombia más violenta y salvaje, los bajos fondos como infierno personal donde deberá descender la protagonista para hallar la venganza que busca tras la muerte de su padre. Pero la película no es finalmente sobre la venganza, sino sobre el perdón y la necesidad de cambiar la dinámica moral de nuestra sociedad. Con una realización directa y sin complejos, Laura Mora, se adentra en ese mundillo de delincuentes comunes que asesinan a sangre fría como sicarios por unos pocos billetes que les permitan mantener a sus familias, mientras el gobierno y la policía cierran los ojos o incluso apoyan esas prácticas que eliminan de la sociedad a las voces críticas contra el viciado sistema. 'Matar a Jesús' no es una radiografía completa del problema social, se centra en una joven que se enfrenta a sus miedos para arrancarse de encima el odio y la impotencia que la corroen, pero está tratada con una ambientación realista (no tanto algunas situaciones que se producen) y una planificación llena de garra que atrapa fácilmente al espectador.

 

'LE SEMEUR / THE SOWER' de Marine Francen (Francia) -98 min.-
Intérpretes: Pauline Burlet, Géraldine Pailhas, Alban Lenoir, Françoise Lebrun , Iliana Zabeth.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Violette está en edad de casarse cuando en 1852 su pueblo es brutalmente privado de todos sus hombres tras la represión de los Republicanos, bajo las órdenes de Luis Napoleón Bonaparte. Las mujeres pasan meses en aislamiento total. Desesperadas por ver a sus hombres de nuevo, hacen un juramento: si un hombre viene, será para todas. La vida debe continuar en el vientre de todas y cada una de ellas.

'The Sower' es un drama intimista con un punto de partida muy similar a la película 'El Seductor' (Don Siegel, 1971), que recientemente ha tenido un remake con 'La Seducción' (Sofia Coppola, 2017), basadas ambas en la novela de Thomas P. Cullinan, aunque en esta película francesa hay más romanticismo y menos oscuridad. 'The Sower' nos presenta a una comunidad integrada únicamente por mujeres y niños a causa de la guerra donde un día aparecerá un hombre que trastocará su cotidianidad. Marine Francen debuta con este largo tras haber sido ayudante de dirección de Olivier Assayas o Michael Haneke, pero no intenta imitarlos y busca su propia narrativa, visualmente muy rica y atractiva, gracias a la estupenda fotografía de Alain Duplantier y una ambientación fantástica. La historia mantiene su interés, pese a derivar en demasía en su mitad final hacia el drama romántico, perdiendo parte de la posible intriga que producía el punto de partida y la ignorada procedencia del desconocido. Es cierto que la metáfora entre la siembra de la tierra y la fertilidad de las mujeres es un poco obvia, pero sirve de marco para desarrollar los distintos puntos de vista de los personajes femeninos, logrando una película llena de plasticidad y belleza, una de las sorpresas que nos ha brindado este festival, con una estupenda Pauline Burlet como protagonista, destacando en un buen reparto coral femenino y feminista.

 

'LE PRIX DU SUCCÈS / THE PRICE OF SUCCESS' de Teddy Lussi-Modeste (Francia) -92 min.-
Intérpretes: Tahar Rahim, Maïwenn, Roschdy Zem.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Brahim es un cómico de éxito, procedente de una familia de clase trabajadora. Su rápido ascenso a la fama tiene un precio: está constantemente bajo presión, dividido entre su hermano mayor Mourad, que también es su mánager, y Linda, su novia y directora artística. Todo el mundo espera grandes cosas de él, desde su familia hasta los chicos con los que creció. Para cumplir su sueño, escribir su segundo espectáculo, y encontrar su propio camino, Brahim debe liberarse del vínculo con su hermano, incluso si eso significa pagar un precio aún mayor.

'The Price of Success' es un drama bien realizado sobre el éxito y sobre como puede afectar a tu entorno. Seis años después de debutar con 'Jimmy Rivière' (2011), donde un joven gitano se debatía entre su amor por una mujer, por el boxeo tailandés y por sus orígenes, Teddy Lussi-Modeste junto al libreto escrito por Rebecca Zlotowski, vuelve a plantear una historia donde surge el conflicto de intereses entre el amor, la profesión (en este caso los monólogos humorísticos) y los orígenes familiares que le mantienen atado y le presionan en su evolución vital. El resultado es altamente satisfactorio, pese a que la historia nos suene a vista y no sea extremadamente original, Lussi-Modeste nos la narra con intensidad y credibilidad, manteniendo siempre nuestro interés, con un estupendo Tahar Rahim como protagonista. 'The Price of Success' es un drama sobre la dificultad de desprenderse de los vínculos y tradiciones familiares, incluso cuando son tóxicos, pero también de la necesidad de mantenerlos para no perder nuestra propia identidad engullidos por todo lo irreal que conlleva el éxito, también con personas tóxicas dispuestas a desviarte de tu camino de crecimiento personal. Un film que pasó desapercibido e incluso recibió notas bajísimas en el Premio de la Juventud y que merece ser reivindicado como una de las pequeñas sorpresas de las secciones paralelas de esta edición del Festival.

 

'APOSTASY' de Daniel Kokotajlo (Reino Unido) -96 min.-
Intérpretes: Siobhan Finneran, Molly Wright, Sacha Parkinson, Robert Emms.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Como devotas testigos de Jehová, las hermanas Alex y Luisa y su madre, Ivanna, están unidas en La Verdad. Alex admira a su hermana, segura de sí misma, mientras se esfuerza por seguir los pasos de Ivanna como una “buena testigo”. Pero cuando Luisa empieza a cuestionar al consejo de los Ancianos, provoca una transgresión que altera su vida y amenaza con expulsarla de la congregación. Si Ivanna y Alex no consiguen convencerla de que regrese, tendrán que evitarla por completo. Este desafío se hace más doloroso cuando la fe de su familia se enfrenta a otra desgarradora prueba. Escrita y dirigida por Daniel Kokotajlo, extestigo de Jehová, Apostasy proporciona una extraordinaria oportunidad de profundizar en la compleja naturaleza de la fe, la familia, el deber y el amor.

'Apostasy' es una película muy interesante, pero algo irregular, que trata la obsesión de la religión y como afecta a los vínculos familiares, a través de una madre y sus hijas que militan como Testigos de Jehová. Lo estricto de su condición de devotas les dificultará sus relaciones con personas que viven al margen de la comunidad y se complicaran cuando surjan dudas de fe en una de las integrantes de la familia. La película lo filma todo con tones ocres, pero delicadeza y simpleza, manteniendo nuestro interés por la historia en todo momentos, pese al brusco cambio de punto de vista que sufre la película en su parte central. Pese a estar filmada por Daniel Kokotajlo, extestigo de Jehová, cae en algunos estereotipos habituales cuando se tratan estos temas y muestra a su ex-comunidad con una radicalidad sin concesiones, donde se agradece la implementación de algunas fisuras en el personaje de la madre, cuya fe inquebrantable no le impide sostener a escondidas su propio sufrimiento. Estupendo trabajo de las dos jóvenes hermanas Molly Wright y Sacha Parkinson, y como no, de la madre interpretada por Siobhan Finneran.

 

'CHARMØREN / THE CHARMER' de Milad Alami (Dinamarca) -100 min.-
Intérpretes: Ardalan Esmaili, Soho Rezanejad, Susan Taslimi, Lars Brygmann.

(Sección Nuev@s Director@s - Inauguración)

Sinopsis: Charmøren es un intenso drama psicológico sobre Esmail, un joven iraní que busca desesperadamente conocer mujeres que puedan garantizar su estancia en Dinamarca. Mientras se le va acabando el tiempo, se enamora y se reencuentra con su pasado. La película se ocupa de temas raciales, de clase y de la lucha por una vida mejor.

'The Charmer' fue la primera película que vi en este Festival y, sin duda, marcó un buen inicio. Es la ópera prima de Milad Alami, director iraní afincado en Dinamarca que utiliza sus propia experiencia como inmigrante para explicar una historia sobre la cara oculta de la inmigración ilegal, pero desde una óptica distinta a la habitual que suele centrarse en las mafias, la trata de personas o el terrorismo. Aquí nos encontramos frente a un personaje muy bien construido, un iraní que intenta conseguir la nacionalidad danesa "ligándose" a alguna mujer del país para casarse con ella y conseguir los papeles. Asistiremos al día a día de esta especie de gigoló por necesidad, un hombre que borra su pasado para reinventarse en un país que le acoge, pero no termina por comprenderle. Y le acompañaremos en su creciente desesperación a medida que no logra sus objetivos y el plazo de residencia se acerca a su caducidad, desenfocándose su propia identidad por el camino. 'The Charmer' es un drama realista cuya incertidumbre destila una cierta intriga que parece conducir a un final inesperado que no llega. Estupendo trabajo del actor protagonista Ardalan Esmaili.

 

 

SECCIÓN OFICIAL

'MORIR' de Fernando Franco (España) -104 min.-
Intérpretes: Andrés Gertrúdix, Marian Álvarez.

(Sección Oficial - Proyecciones Especiales)

Sinopsis: Las vidas de Luis y Marta se ven abruptamente paralizadas. Las mentiras, la culpa y el miedo ponen a prueba la estabilidad y el amor de la pareja.

'Morir' supone el segundo largometraje de Fernando Franco tras el éxito de 'La Herida' (2013). Vuelve a contar como Marian Álvarez como protagonista para construir otro potente personaje femenino abocado al inesperado (y siempre obligado) careo con la muerte y como eso afecta a la relación de pareja. Deberá asistir y con ella nosotros, al paulatino marchitar de la vida de su novio, interpretado por su pareja en la vida real, el fantástico Andrés Gertrúdix, y la película se construirá en pequeños instantes de ese Morir del título, lento, doloroso y que también causa alivio para poder seguir respirando. Un film minimalista o si se prefiere intimista que se centra en sus dos personajes centrales, sin recrearse en exceso en el melodrama lacrimógeno, buscando las contradicciones del ser humano, de la vida y de su inevitable final. 'Morir', a través de la intensa mirada de Marian Álvarez, disecciona con sensibilidad y serenidad, las dificultades para entender, aceptar y afrontar el momento cuando la vida se trunca, cuando ese instante de felicidad desaparece, cuando el futuro se nos niega. Un film sencillo, amargo y realista, como la vida misma.

 

'MARROWBONE (EL SECRETO DE MARROWBONE)' de Sergio G. Sánchez (España) -110 min.-
Intérpretes: George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, Matthew Stagg.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Jack y sus tres hermanos se esfuerzan por sobrevivir en la decrépita granja Marrowbone. A pesar del golpe que supuso la prematura muerte de su madre, los cuatro hermanos han creado en ese remoto y laberíntico lugar un refugio a su medida, a salvo del mundo exterior y sin ayuda de adulto alguno. Permanecen unidos, siguiendo la última voluntad de su madre, pero el peligro que les acecha no está en el exterior de la granja. Ruidos extraños y sucesos inexplicables empiezan a sacudir las viejas paredes de Marrowbone, como si una antigua maldición les persiguiese. Sin más opciones que permanecer en la mansión, los cuatro hermanos tendrán que encontrar la manera de vencer a la ominosa presencia que los amenaza.

'Marrowbone' es el debut en el largometraje de Sergio G. Sánchez, amigo y colaborador de J.A. Bayona para el que escribió los guiones de 'El Orfanato' (2007) o 'Lo Imposible' (2012). Para su ópera prima ha buscado una historia que utiliza algunos parámetros similares de 'El Orfanato', una historia de cine de terror enclaustrada dentro de un drama familiar, una localización similar, la indefensión infantil como motor de los miedos internos, etc, pero lo hace con personalidad propia en un producto que fue injustamente vilipendiado en su proyección para prensa durante el Festival de Cine de San Sebastián (a veces por aquí se tiende a ser condescendiente con todo lo que huela a cine de género), aunque en Sitges fue mejor acogida y probablemente también tenga un buen recorrido comercial. La película tiene unos primeros dos tercios francamente destacables, sin contar nada nuevo y utilizando con inteligencia las claves establecidas en el cine de género, Sánchez va hilando un drama familiar a través de unos personajes bien construidos y una narrativa clásica que se agradece. Lamentablemente, el guion esconde muchas trampas y sorpresas que destrozan toda la credibilidad construida hasta entonces y la necesidad imperiosa por sorprender al público conduce al film a una desastrosa última parte donde, además de reiterar los hechos de manera ridícula (en el cine actual se tiende a tratar a los espectadores como imbéciles y no basta con decirles o mostrarles una vez algo, hay que subrayarlo varias veces para que lo entiendan), el desenlace conlleva varios twist "inesperados" a cada cual más descabellado. Muchas veces la sugerencia y la atmósfera hacen más por una película que la sobreexplicación y los giros imposibles, en 'Marrowbone' todo se desmorona cuando se abandona la narración serena que también le funciona, acompañada de la música de Fernando Velázquez y la fotografía de Xavi Giménez, y se busca el alunizaje de la pantalla a base de testarazos desproporcionados más propios de un slasher de serie B. El director se rodea con un buen reparto de actores jóvenes como George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton o Mia Goth, todos ellos ya vistos en películas importantes y que auguran un futuro prometedor en el mundo del cine.

 

'LA PESTE' de Alberto Rodríguez (España) -102 min.-
Intérpretes: Pablo Molinero, Paco León, Sergio Castellanos, Patricia López Arnaiz, Manuel Solo, Tomás del Estal, Paco Tous, Manuel Morón, Cecilia Gómez, Antonio Gil, Lupe del Junco.

(Sección Oficial - Fuera de Concurso)

Sinopsis: Durante una plaga de peste negra en la esplendorosa Sevilla de 1587 un ex militar, Mateo, regresa, honrando su palabra, para encontrar y sacar de la ciudad al hijo de un amigo fallecido. Mateo tuvo que huir de la ciudad para salvar su vida. La Inquisición le condenó a muerte por imprimir libros prohibidos. Antes de conseguir su objetivo, Mateo es arrestado por los alguaciles del Inquisidor, quien promete perdonarle la vida a cambio de resolver una serie de crímenes con tintes diabólicos que se están produciendo en Sevilla.

'La Peste' es una serie de televisión y sus dos primeros capítulos formaban parte de la Sección Oficial de esta edición del Festival en una apuesta clara de José Luis Rebordinos, director del mismo, en derrumbar los muros que separan formatos y plataformas de distribución, un debate candente con distintas opiniones. Fuera como fuera, 'La Peste' era uno de los puntos álgidos de la programación, no en vano está dirigida por Alberto Rodríguez, uno de los directores más importantes de nuestro país. Por desgracia, 'La Peste' no cuaja y decepciona. Es cierto que a nivel técnico el trabajo es espectacular, la ambientación perfecta y que tiene un reparto más que solvente, sin embargo, la historia no engancha lo suficiente como para mantener el interés de seguir viendo los siguientes capítulos. 'La Peste' no tiene la fuerza arrolladora de 'Grupo 7' (2012) ni la apasionante narrativa visual de 'La Isla Mínima' (2014) y su enrevesada trama llena de personajes no logra involucrarte como lo hacía con 'El Hombre de las Mil Caras' (2016), aquí todo parece entregado a la creíble y cuidada recreación histórica, pero resulta fría y distante, carente de emoción, desdibujándose a medida que avanza.

 

 

'UNA ESPECIE DE FAMILIA' de Diego Lerman (Argentina - Brasil - Polonia - Francia) -96 min.-
Intérpretes: Bárbara Lennie, Daniel Araoz, Claudio Tolcachir, Yanina Ávila.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Malena es una médica de clase media de Buenos Aires. Una tarde recibe la llamada del doctor Costas, quien le informa de que debe viajar inmediatamente al norte del país: el bebé que estaba esperando va a nacer. De manera súbita y casi sin pensarlo, Malena decide emprender un viaje incierto, lleno de encrucijadas en el que deberá enfrentarse a todo tipo de obstáculos legales y morales que la harán preguntarse constantemente qué límites está dispuesta a cruzar para conseguir aquello que más desea.

'Una Especie de Familia' es un drama sobre la maternidad, pero también sobre la obsesión de una mujer por ser madre. Esa mujer está protagonizada de manera soberbia por la siempre fantástica Bárbara Lennie en un tour de force interpretativo que la llevará a cabalgar a ambos lados de la moralidad para componer un personaje central con muchas aristas, al que comprenderemos y detestaremos, una mujer que decide dar salida a su necesidad vital aprovechándose de la miseria existente en otras zonas del país, donde también habrá gente que a su vez querrá aprovecharse de ella. Ese país es Argentina y supone, también, un reencuentro de la actriz madrileña con sus orígenes, sus padres son de allí y ella misma estuvo viviendo hasta los 6 años en ese país. No sería la misma pelícual sin Lennie, ella es la película. 'Una Especie de Familia' tiene, en ocasiones, la apariencia de una road movie, tanto por el viaje físico que debe realizar esa mujer para alcanzar su objetivo como por el viaje interior que debe realizar para comprender y descubrir su parte más oscura, un lugar del que deberá regresar para encontrar una luz que le devuelva la cordura. Más allá de las motivaciones del personaje, la película está filmada por Diego Lerman con brío y fuerza, logrando mantener el interés constante en la trama y en esa aventura inicial que va tomando cuerpo de thriller dramático, donde el director se maneja de maravilla. La película no tuvo ni la repercusión ni la acogida que hubiera merecido durante el Festival, es un film valiente y bien filmado, con un guión bien estructurado y unos personajes bien construidos, detalles suficientes para prestarle atención.

 

'THE DISASTER ARTIST' de James Franco (EEUU) -103 min.-
Intérpretes: James Franco, Dave Franco, Seth Rogen, Alison Brie, Zac Efron, Josh Hutcherson,
Jacki Weaver, Ari Graynor, Jason Mantzoukas.

(Sección Oficial)

Sinopsis: The Disaster Artist de James Franco es la historia real del 'making of' de la película The Room que ha sido considerada como “el Ciudadano Kane de las malas películas.” La película clásica de culto de Tommy Wiseau se ha estado proyectando en salas completamente llenas por todo Norteamérica desde hace más de una década. The Disaster Artist es una buddy comedy sobre dos inadaptados en busca de un sueño. Cuando el mundo los rechaza, deciden hacer su propia película, una película maravillosamente espantosa, gracias a sus momentos involuntariamente cómicos, sus tramas dispersas y sus terribles interpretaciones.

'The Disaster Artist' fue la gran triunfadora de la 65ª Edición del Festival tras alzarse con la Concha de Oro a Mejor Película. No diremos que fue un premio totalmente inesperado, pero sí que había otras opciones que partían como más favoritas. La película de los hermanos Franco es una comedia divertida sobre el mundo del cine, pero escogiendo como protagonistas de su historia, como ya hizo Tim Burton con 'Ed Wood' (1984), a gente carente de talento que, sin embargo, no cesó en su empeño en hacer cine. Porque tanto Ed Wood como Tommy Wiseau son cineastas que han pasado a la Historia del Cine, sí, pero por la baja calidad de sus creaciones, por extraer carcajadas involuntarias al público que, sesión tras sesión, han convertido sus trabajos en obras de culto que vanaglorian lo cutre y esperpéntico en sesiones golfas donde la gente asiste para reírse en tono festivo de películas hechas en serio. Ambos directores sin talento comparten su amor incondicional por el cine y es ahí donde tanto Burton como Franco ponen su acento, obligando al espectador a coger cariño a tan extravagantes personajes. 'The Disaster Artist' ofrece la curiosidad de asistir al caótico rodaje de 'The Room' (película que aún no tengo el placer ni la tortura de haber visto), lo hace con soltura, un buen reparto y un buen tono cómico, pero se echa en falta el mayor talento narrativo y la carga de profundidad que contenía 'Ed Wood', película con la que es inevitable compararla. Una de las mejores secuencias de 'The Disaster Artist' sucede durante los créditos finales, cuando veremos en una pantalla partida la comparativa entre las secuencias reales de la película 'The Room' y las recreaciones hechas por Franco de las mismas secuencias, realmente son un calco, por exagerado que pudiera parecer mientras veíamos la película. ¿Alguien se atreve a ver entera 'The Room'?

 

'SOLLERS POINT' de Matthew Porterfield (EEUU - Francia) -101 min.-
Intérpretes: McCaul Lombardi, Jim Belushi, Zazie Beetz.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Keith, un joven de 24 años, está en libertad condicional tras haber pasado un año en la cárcel y vive en casa de su padre. Keith recorre su barrio de Baltimore, profundamente dividido en estratos sociales, en busca de trabajo y de algo que dé un nuevo sentido a su vida. Aunque el mundo exterior tiene sus propias amenazas, los grandes enemigos de Keith son los demonios que alberga en su interior.

'Sollers Point' es un drama con ligeros toques de thriller que recuerda tanto a otras películas ya vistas que resulta bastante decepcionante y previsible. La película se centra en un joven que debe reisertarse en la sociedad tras su paso por prisión y que al volver a su barrio deberá aprender a madurar y discernir entre actuar correctamente para no caer nuevamenete en el agujero o acercarse al peligro constante que le ofrecen las calles y sus viejas amistades. Un argumento clásico que se ha tocado en miles de ocasiones, pero que aquí se utiliza sin un ápice de novedad, personalidad o riesgo, quedando un film de factura correcta, simplón y sin capacidad para emocionar. Además, se ocupa tanto del trayecto que en su desenlace parece una obra inacabada e involutiva. Un trabajo con el estilo Sundance actual, pero sin la chispa que tenía hace unos años el indie norteamericano. El trabajo lo protagoniza un insípido McCaul Lombardi que no logra transmitir todo el mundo interior de su personaje y como secundario aparece Jim Belushi en un personaje que mejor explotado hubiera podido ofrecer un resquicio de interés entre tanta secuencia manida.

 

'POROROCA' de Constantin Popescu (Rumanía - Francia) -152 min.-
Intérpretes: Bogdan Dumitrache, Iulia Lumanare, Costin Dogioiu, Stefan Raus, Adela Marghidan.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Cristina y Tudor Ionescu han formado una familia feliz con sus dos hijos, Maria e Ilie. Él trabaja para una compañía telefónica y ella es contable. Ambos están en la treintena y viven en un bonito apartamento en una ciudad rumana. Su vida es la de una pareja normal con sus hijos. Pero una mañana de domingo, cuando Tudor lleva a sus hijos al parque, Maria desaparece. Sus vidas cambian abruptamente para siempre.

'Pororoca' era una de las favoritas de la crítica para obtener la Concha de Oro, finalmente el Jurado sólo la premió en el plano interpretativo, otorgando el galardón a Mejor Actor para Bogdan Dumitrache, por su entregada labor como ese padre de familia que termina en las profundidades más oscuras de la desesperación. 'Pororoca' es un film de casi tres horas que se sustenta en un ritmo pausado y en largos planos secuencia, aparentemente sencillos, pero con una gran planificación escénica. El film es un poderoso retrato de una familia normal que se desmorona por un hecho inesperado que trunca su felicidad. Constantin Popescu, escribe y dirige este viaje en primera persona a los infiernos del dolor que derivará primero en sentimiento de culpa y finalmente en la inevitable explosión de ira, en una secuencia final tan polémica como desgarradora. El film es un ejercicio de estilo que maneja el tempo y lo dilata para generar la tensión dramática que centra la historia, es cierto que tal vez en su segunda mitad se podría haber recortado un poco sin que afectara al resultado final, pero estamos ante una obra capital, un drama humano rodado de forma directa y sin concesiones, con planos generales descriptivos y primeros planos inquisidores que cuestionan temas como la arbitrariedad de nuestros destinos, la eficacia de la justicia como cicatrizante de nuestras heridas o la propia legitimidad de la venganza. Un film denso, pero cercano. Una terrible bofetada a nuestro estado de confort que nos muestra la lenta destrucción moral y psicológica de un personaje que, después de la desaparición de su hija, sabe que ya nada puede ser igual que antes. Una de mis películas favoritas de esta edición del Festival.

 

'LIFE AND NOTHING MORE (LA VIDA Y NADA MÁS)' de Antonio Méndez Esparza (España - EEUU) -114 min.-
Intérpretes: Andrew Bleechington, Regina Williams, Robert Williams, Ry'nesia Chambers.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Al borde de la edad adulta, Andrew ansía encontrar un propósito para su vida como joven afroamericano. Su madre anhela algo en su vida que vaya más allá de la propia maternidad, por lo que Andrew se ve obligado a asumir la creciente presión de la responsabilidad familiar. Su intento de conectar con un padre ausente le conduce a una peligrosa encrucijada.

'Life and Nothing More' es el elocuente título de este drama de ficción que, por momentos, parace más un docudrama que encierra algunas secuencias francamente realistas que casi te hacen creer que la pantalla es una ventana por donde estamos espiando a gente real y no actores. El relato tiene una narrativa algo deslavazada y no tiene un hilo argumental suficientemente potente para capturar nuestra atención durante las casi dos horas de proyección, pero la naturalidad con la que está filmada e interpretada logran compensar eso en muchos momentos. Especialmente destacable resulta la interpretación de Regina Williams en todas sus secuencias y en especial cuando está en pantalla junto a Robert Williams, son momentos de verdad absoluta, realismo en cada gesto y diálogo. Menos interesante resulta la trama principal del chaval que crece sin una figura paterna que le guíe en las dificultades que entraña el pasado a la madurez, especialmente en un contexto problemático como el que vive su familia. Eso lo hemos visto ya tantas veces que aburre y no convence. Pero hay que reconocerle a Antonio Méndez Esparza su valentía al afrontar una historia tan sencilla e intimista que busca en la veracidad el vehículo nada artificioso de su bienintencionado discurso. 'Life and Nothing More' no estuvo en el Palmarés del Jurado Oficial, pero se alzó con el prestigioso Premio FIPRESCI de la Crítica.

 

'LICHT' de Barbara Albert (Austria - Alemania) -97 min.-
Intérpretes: Maria Dragus, Devid Striesow, Katja Kolm, Lukas Miko, Maresi Riegner, Johanna Orsini-Rosenberg, Susanne Wuest, Stefanie Reinsperger, Christoph Luser.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Viena, 1777. Maria Theresia Paradis, niña prodigio, pianista ciega de 18 años, perdió la vista de la noche a la mañana cuando tenía tres años. Tras innumerables experimentos médicos fallidos, sus padres la llevan a la finca del polémico 'doctor milagro' Franz Anton Mesmer, donde se une a un grupo de estrafalarios pacientes. Disfruta del ambiente liberal de la casa en un mundo rococó y conoce la libertad por primera vez, pero empieza a notar que, mientras el tratamiento de Mesmer le está devolviendo la vista, está perdiendo su apreciado virtuosismo musical…

'Licht' es un drama de época, con una historia curiosa que está inspirada en hechos reales, pero una traslación a la pantalla demasiado académica y fría para encontrar la emoción del público. Rodada con sobriedad y con una buena reconstrucción histórica, la película se centra en el personaje de una noble ciega virtuosa de piano que recobra la vista y pierde su talento, una mujer en constante lucha por su reivindicación en un entorno lleno de convencionalismos y miradas furtivas que a menudo la convierten en una atracción de feria tanto en su ceguera como en su milagrosa recuperación. La película presenta también la incipiente instauración de la ciencia y la medicina, entre los recelos de la gente. Pero 'Licht' no acaba de encontrar su camino entre el periplo de autodescubrimiento personal de la joven protagonista y ese fresco histórico de una sociedad hipócrita que juzga cada uno de sus movimientos. La directora es Barbara Albert, la cual ya compitió por la Concha de Oro en 2012 con la interesante, pero igualmente incompleta, 'Die Lebenden (The Dead and the Living)', donde proponía otro juego de reconstrucción histórica (en aquella el nazismo desde la óptica de una joven contemporánea), pero que padecía como esta de una distancia narrativa poco efectiva, malogrando la multitud de posibilidades que ambas historias tienen. Aún así, 'Licht' no es un producto desdeñable y, además, contiene una buena interpretación de Maria Dragus.

 

'LE SENS DE LA FÊTE / C'EST LA VIE!' de Olivier Nakache y Éric Toledano (Francia) -115 min.-
Intérpretes: Jean-Pierre Bacri, Gilles Lellouche, Suzanne Clément, Jean-Paul Rouve.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Para la novia y el novio es la noche más importante de sus vidas. Pero es como cualquier otra noche para Max, de la empresa de cátering, Guy el fotógrafo, James el cantante, y todos los demás que trabajan en el evento. Pierre y Helena han decidido celebrar su unión en un castillo precioso del siglo XVIII a las afueras de París. Seguimos la fiesta desde la preparación hasta la salida del sol, casi a tiempo real, pero solo a través de los ojos de los que trabajan en la boda. Y será una noche llena de sorpresas.

'C'est la Vie!' es una comedia bien escrita y realizada por el exitoso tándem formado por Éric Toledano y Olivier Nakache que visitaban por tercera vez San Sebastián después de presentar 'Intocable' (2011) y 'Samba' (2014). Por desgracia, la película carece de cualquier atisbo de sorpresa y riesgo, estando a años luz de 'Intocable', una de las mejores comedias de los últimos años, aunque probablemente sí supere el chasco de 'Samba'. Y es que es totalmente cierto que la historia coral de 'C'esta la Vie!' ambientada en una boda con ese ritmo de slapstick funciona en su ligereza y entra suave como una sangría de tetra-brick, pero todo en ella resulta previsible, los gags se ven venir de lejos, los emparejamientos románticos se fuerzan sin gracia y existe una constante sensación de conocer la historia antes de terminar de verla. Comedia intranscendente a la que le viene grande la Sección Oficial, aunque se entiende que necesaria para destensar las neuronas durante un Festival de Cine donde suele predominar la intensidad dramática. Jean-Pierre Bacri cumple en su rol como protagonista dentro de un reparto numeroso donde también resulta divertido Gilles Lellouche como ese cantante de orquesta con ínfulas de estrella.

 

'LE LION EST MORT CE SOIR / THE LION SLEEPS TONIGHT ' de Nobuhiro Suwa (Francia - Japón) -103 min.-
Intérpretes: Jean-Pierre Léaud, Pauline Etienne.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Sur de Francia. En la actualidad. Jean, un actor atrapado en el pasado, se entera de que el rodaje de su nueva película se ha suspendido por un tiempo indeterminado. Aprovecha la oportunidad para visitar a un viejo amigo y se instala clandestinamente en una casa abandonada donde en otro tiempo vivió Juliette, el gran amor de su vida. Un grupo de amigos, aprendices de cineastas, tropiezan con la misma casa y deciden que es la localización perfecta para rodar su siguiente película de terror casera. Jean y los niños terminarán encontrándose cara a cara tarde o temprano.

'Le Lion est Mort ce soir' fue una de las películas más aplaudidas por la crítica que llegó en la recta final del Festival. Es una película compleja y una rareza en el cine de hoy en día, con la libertad propia del cine de arte y ensayo, donde tiene cabida la experimentación, la improvisación y la mezcla de géneros y temas en un tapiz lleno de riqueza y belleza para hablarnos de la muerte, el paso del tiempo y el ocaso de la vida, pero desde diversas ópticas y no necesariamente como algo doloroso dentro del proceso natural de cualquier vivencia. Escrita y dirigida por el japonés Nobuhiro Suwa, autor estudioso del cine francés que ya lo homenajeó con su obra de metaficción 'H Story' (2003), donde revisitaba el universo existente detrás de la película 'Hiroshima mon amour' (Alain Resnais, 1959). En 'Le Lion est Mort ce soir' vuelve a mezclar una historia de ficción que se sumerge en el interior de otra historia de ficción, una película rodada por unos niños que toman prestada la figura del protagonista como actor para su película. Cine dentro del cine, un actor que se representa a sí mismo, paisajes oníricos que se entremezclan con secuencias donde la cámara parece ser un mero espectador de la creatividad de esos niños jugando a hacer cine. Posteriormente también hemos descubierto que el propio protagonista, un imponente Jean-Pierre Léaud aportó su propio granito de arena a la creación de este collage cinematográfico cuando improvisó una canción y un poema que no estaban en el guion. Libertad expresiva que conforma una película imperfecta, algo caótica en algunos momentos, pero siempre curiosa en su autodescubrimiento y generosa en su planteamiento al margen de la industria, en un coletazo contemporáneo que recuerda a la 'nouvelle vague' de antaño (no en vano Léaud fue actor fetiche de directores como Truffaut o Rivette). Es una película difícil para el público en general y no tendrá una carrera comercial (posiblemente ni se estrene), pero es capaz de generar tantas emociones y reflexiones en el espectador que fue muy triste que se fuera de vacío en el palmarés.

 

'LA DOULEUR / MEMOIR OF PAIN' de Emmanuel Finkiel (Francia) -126 min.-
Intérpretes: Mélanie Thierry, Benjamin Biolay, Benoît Magimel, Emmanuel Bourdieu.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Al encontrar dos viejos cuadernos en una caja olvidada, Marguerite Duras recuerda su pasado y el insoportable dolor de la espera. En la Francia ocupada por los nazis de 1944, la joven y brillante escritora participa activamente en la Resistencia junto con su marido, Robert Antelme. Cuando Robert es deportado por la Gestapo, Marguerite se embarca en una lucha desesperada para conseguir que regrese. Entabla una inquietante relación con el colaboracionista Rabier y corre grandes riesgos para salvar a Robert, en un juego del ratón y el gato con impredecibles encuentros por todo París. ¿Rabier quiere realmente ayudarla? ¿O está tratando de obtener información sobre los grupos clandestinos anti nazis? Finalmente la guerra termina y las víctimas regresan de los campos, un periodo insoportable para ella, una larga y silenciosa agonía tras el caos de la liberación de París. Pero ella continúa esperando, encadenada al tormento de la ausencia, incluso más allá de la esperanza.

'La Douleur' es un melodrama francés con todas las consecuencias que eso puede significar. Hablando en serio, la película es un excelente ejercicio de contextualización histórica de la Francia ocupada, con el rostro de la escritora Marguerite Duras como metáfora del dolor del abandono de uno mismo y de la carcoma que produce el sufrimiento de la espera, en un entorno de resistencia pasiva a la invasión de tus ideales y creatividad. La película es densa y necesita de la paciencia del espectador para saborearse, pero en su primera hora, al menos, es una experiencia plenamente satisfactoria y atractiva que por sus ansias grandilocuentes la llevan a un último tercio donde cae en la reiteración innecesaria y finalmente el sopor. La película está escrita y dirigida por Emmanuel Finkiel, el cual fue ayudante de dirección de grandes del cine como Bernard Tavernier, Krzysztof Kieslowski y Jean-Luc Godard, y que en su haber propio tiene una película interesantísima e inédita en nuestro país como es 'Je ne suis pas un salaud (Un Hombre Decente)' (2015), donde también abordaba un drama psicológico profundo. En 'La Douleur', la escritora Marguerite Duras tiene el rostro de la actriz Mélanie Thierry, que realiza una interpretación impecable y sentida, convirtiéndola en una de mis favoritas para ganar la Concha.

 

'HANDIA' de Aitor Arregi y Jon Garaño (España) -114 min.-
Intérpretes: Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Iñigo Aranburu, Ramon Agirre, Aia Kruse.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista, Martín vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa y allí descubre con sorpresa que su hermano menor, Joaquín, es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia. Una historia inspirada en hechos reales.

'Handia' era una de las películas más esperadas este año por su vinculación con el imaginario popular de Euskadi y por estar filmada por Aitor Arregi junto a Jon Garaño, uno de los autores de aquel éxito en el cine vasco titulado 'Loreak' (2014) y gran parte del equipo que allí participó, película que llegó a ser seleccionada para representar a España en los Oscars (aunque no pasó el corte). He de reconocer que para mi las virtudes de 'Loreak', que las tenía, se vieron engrandadas desproporcionadamente, así que la decepción generalizada por esta 'Handia' no tenía que influirme. Sin embargo, pese a lo impecable de su forma, 'Handia' tampoco llega a convencerme del todo. No se trata ni mucho menos de una mala película, pero encuentro que se equivoca en el tono adecuado para representar en imágenes esta leyenda o historia ancestral, como se le quiera llamar. Sí convenció al Jurado esta epopeya que vanagloria lo diferente como elemento diferenciador en una sociedad politizada y necesitada de distracciones que le aparten de sus propias miserias, de ese modo, el Jurado presidido por John Malkovich le otorgó el Premio Especial del Jurado. 'Handia' es un fresco histórico imponente, con unas bellísimas imágenes extraídas de la paleta fotográfica de Javier Agirre Erauso, para recrear la historia del Gigante de Altxo. La película siempre se aborda desde una visión realista y humanista, echándose en falta algo más de magia y de cuento para redondear la propuesta metafórica sobre el crecimiento y los cambios del mundo, y es que hay imágenes oníricas que emplazan a ello (la primera aparición inesperada del gigante resulta desconcertante, el encuentro de gigantes en una montaña, la utilización del gigante como atracción circense...). Creo que 'Handia' es una película que me irá ganando en el recuerdo y con mucho más recorrido para mi que 'Loreak'. Está protagonizada por un estupendo Joseba Usabiaga junto a Eneko Sagardoy como gigante, con algún secundario ilustre como Ramon Agirre.

 

'EL AUTOR' de Manuel Martín Cuenca (España - México) -112 min.-
Intérpretes: Javier Gutiérrez, María León, Adelfa Calvo, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Rafael Téllez,
Antonio de la Torre.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Álvaro quiere ser escritor, pero todo lo que escribe es falso, pretencioso, insípido. Trabaja como escribiente en una notaría de Sevilla y su vida es gris, coloreada sólo por sus sueños. Su mujer, Amanda, es todo lo contrario. Siempre ha tenido los pies en la tierra y nunca ha soñado con ser escritora. Sin embargo, es ella la que se pone a escribir y le sale un best-seller. Ironías de la vida. La separación es inevitable. Y en ese momento, Álvaro decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación. Guiado por Juan, su profesor de escritura, indaga en los fundamentos de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.

'El Autor' fue una de las películas más aplaudidas al unísono por público y crítica, una comedia de metaficción, original y entretenida, que no siempre logra mantener su tono y ritmo. Escrita con pluma firme por Alejandro Hernández y dirigida por el siempre interesante Manuel Martín Cuenca (y habitual en las selecciones del Festival), la película traza una curiosa historia sobre un escritor de poca monta que lleva al plano de la ficción la propia realidad que le rodea, necesitando manipularla para mejorar el interés de su obra. Tiene hallazgos visuales ingeniosos (la proyección de sombras en el patio de luces) y algunos gags desternillantes (la desnudez de Hemingway ante la hoja en blanco o el speech de ese profesor de literatura interpretado de forma genial por Antonio de la Torre), pero también cae en algunos clichés en el retrato de algunos personajes y otros resultan del todo mejorables (el interpretado, por ejemplo, por María León resulta poco creíble y nunca llega a ubicarse dentro de la metaficción propuesta, en parte por el desacertado trabajo de la actriz). 'El Autor' llegó a San Sebastián con un premio bajo el brazo de su periplo por Toronto, tal vez eso puso el listón de las expectativas demasiado alto, pero es una comedia inteligente con un guion bien escrito que sabe cerrar su historia, con un estupendo Javier Gutiérrez a la cabeza de un reparto coral donde también destaca Adelfa Calvo, y todo ello aderezado con la música de fondo de José Luis Perales, una mezcla tan extraña como sugerente.

 

'DER HAUPTMANN / THE CAPTAIN' de Robert Schwentke (Alemania - Francia - Polonia) -118 min.-
Intérpretes: Max Hubacher, Milan Peschel, Frederick Lau, Alexander Fehling.

(Sección Oficial)

Sinopsis: En los últimos momentos de la II Guerra Mundial, un soldado de 19 años, andrajoso y hambriento, roba el uniforme de un capitán. Haciéndose pasar por un oficial, reúne a un grupo de desertores y comienza a matar y saquear a su paso a través de la golpeada Alemania nazi.

'The Captain' fue una de las inesperadas sorpresas de la Sección Oficial, porque llegó el último día y por se trataba de una película escrita y dirigida por Robert Schwentke, autor de las comerciales 'Flightplan (Plan de vuelo: desaparecida, 2005)' o las dos entregas de la Serie Divergente, 'Insurgent (Insurgente, 2015)' y 'Allegiant (Leal, 2016)', además de cosas tan horripilantes como 'R.I.P.D. (R.I.P.D. Departamento de policía mortal, 2013)'. Con ese currículum, pocos esperábamos enfrentarnos a una película tan brillante, dura y perversa como 'The Captain', donde inspirado en una historia real se reflexiona sobre el mal y sobre la capacidad de supervivencia del ser humano, convirtiéndose en un monstruo. 'The Captain' fue galardonada con el premio a la Mejor Fotografía, otra exquisita muestra de la belleza del blanco y negro en el cine, segunda película con esta apuesta estética junto a 'Beyond Words'. En 'The Captain', el blanco y negro se convierte en algo fundamental, por un lado, para soportar la brutalidad de sus secuencias sin el impacto que hubiera provocado el rojo de la sangre cubriendo la pantalla, por otro lado, sirve como testimonio de una época, la Segunda Guerra Mundial, trayéndonos irremediablemente a la memoria todo el imaginario colectivo del holocausto nazi. Algo que hace también especial a esta película es su punto de vista, ya que el protagonista no es judío ni es un héroe, es todo lo contrario, un nazi desertor que encuentra la peor forma de hacerse un hueco en la historia, alguien con el que es casi imposible empatizar. Estupendo trabajo también del actor protagonista, Max Hubacher, que bien podría haber recibido premio. La única pega a este destacable trabajo es una cierta reiteración en su tramo final que alarga de forma innecesaria su metraje, pero en todo momento logra transmitir la brutalidad de la guerra, la enajenación mental y degradación moral que se produce en los hombres durante los conflictos bélicos.

 

'BEYOND WORDS' de Urszula Antoniak (Polonia - Países Bajos) -85 min.-
Intérpretes: Jakub Gierszał, Andrzej Chyra, Christian Löber.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Michael y Franz, su jefe y mejor amigo, se sienten como en casa en los restaurantes, bares y clubes de moda de Berlín. Aparentemente no hay diferencias entre ellos, pero Michael, que emigró de Polonia tras la muerte de su madre hace unos cuantos años, todavía presta especial atención a su acento. Michael queda conmocionado cuando un polaco desastrado y bohemio se presenta en su puerta asegurando ser su padre. Padre e hijo, dos perfectos extraños, comparten un fin de semana que va de la empatía al rechazo y la desconfianza. Una dolorosa crisis se hace inevitable conforme Michael se va reencontrando con sus raíces...

'Beyond Words' fue una de las películas que menos convenció a la crítica desplazada a San Sebastián y no es para menos, se trata de un drama que toma el tema de la inmigración como telón de fondo desde una óptica tan pretenciosa como opaca, un aburrimiento sin garra con el que resulta difícil conectar pese a su ajustada duración. Eso sí, destaca su preciosista fotografía en blanco y negro, con una buena utilización de la profundidad de campo, pero más allá de su atractiva estética visual y unas interpretaciones correctas de Jakub Gierszał y Andrzej Chyra, se respira en todo momento un tufillo que deriva hacia la vacuidad más absoluta y eso que su discurso sobre la identidad podría haber resultado mucho más interesante. El guion, escrito por la propia directora, Urszula Antoniak, avanza dando tumbos demasiado pendiente de transcendir, olvidándose que la mejor manera de hacerlo es llegar a las emociones del espectador. Por contra, la película es gélida y distante, propone algunos elementos explotables como ese reencuentro entre padre e hijo o una última secuencia pesadillesca donde el protagonista se sumerge en los bajos fondos de la ciudad para adentrarse en su propio subconsciente, pero todo queda en agua de borrajas.

 

'THE WIFE (LA BUENA ESPOSA)' de Björn Runge (Suecia - Reino Unido) -99 min.-
Intérpretes: Glenn Close, Jonathan Pryce, Christian Slater, Max Irons, Annie Starke, Harry Lloyd.

(Sección Oficial - Clausura)

Sinopsis: Detrás de un gran hombre hay siempre una mujer aún más grande... y están a punto de conocerla. Es fundamental que lleguen a conocerla -muchos de nosotros ya la conocemos y ni siquiera nos damos cuenta-. Joan Castleman: una mujer de gran inteligencia y belleza todavía deslumbrante, la perfecta esposa devota. Cuarenta años invertidos en sacrificar su propio talento, sus sueños y ambiciones para avivar el fuego de su carismático marido Joe y su meteórica carrera literaria. En ignorar sus infidelidades y excusas apoyadas en su “arte” con elegancia y humor. Su fatídico pacto ha construido un matrimonio sobre concesiones desiguales. Y Joan ya no aguanta más. En la víspera de la entrega a Joe del Premio Nobel de Literatura, la guinda del pastel en una obra espectacular, el golpe de gracia de Joan consiste en afrontar el mayor sacrificio de su vida y el mayor secreto de la carrera de su marido. The Wife es un viaje conmovedor, divertido y emocional; una celebración de la feminidad, el autodescubrimiento y la liberación.

'The Wife' es un correctísimo trabajo del director sueco Björn Runge, asumiendo a la perfección la narrativa norteamericana más académica y resultona. Si la película de apertura 'Submergence' apostaba por una trama intrincada y pretenciosa, la película elegida para clausurar la Sección Oficial resulta mucho más cercana, eficaz y acertada. No es una gran película, ni destaca especialmente por una puesta en escena que se salga de los cánones establecidos en la industria, pero se convierte en un producto sólido, con un guión lleno de diálogos inteligentes recitados por dos grandes de la interpretación como son Glenn Close y Jonathan Pryce, dentro de una trama reivindicativa de la figura femenina, con alguna ligera sorpresa argumental (que recuerda bastante a una película reciente de Tim Burton que no citaremos para no spoilear). Runge les cede el protagonismo a sus personajes, creados por la guionista Jane Anderson, ofreciendo una película sencilla, pero tremendamente comercial para un público adulto que no busque inventos hechos con gaseosa. 'The Wife" es cine de toda la vida, con una historia bien contada y unos actores estupendos. Si buscas cine arriesgado e innovador esta no es tu película, pero creemos que fue todo un acierto incluirla como clausura.

 

'SUBMERGENCE (INMERSIÓN)' de Wim Wenders (Alemania-Francia-España) -110 min.-
Intérpretes: James McAvoy, Alicia Vikander.

(Sección Oficial - Inauguración)

Sinopsis: Submergence (Inmersión) es una historia de amor que nos traslada a los mundos opuestos de Danielle Flinders y James More. Se conocen por casualidad en un remoto hotel de la costa normanda donde ambos se preparan para peligrosas misiones. Se enamoran casi en contra de su voluntad, pero pronto verán el uno en el otro al amor de su vida. Cuando se separan, descubrimos que James trabaja para el servicio secreto británico. Está implicado en una misión en Somalia para seguir el rastro de una red de terroristas suicidas que está asolando Europa. Danielle 'Danny' Flinders, es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión para respaldar su teoría sobre el origen de la vida en nuestro planeta. Pronto les separará un mundo. James será apresado por yihadistas y no podrá contactar con Danny, que tendrá que adentrarse en lo más profundo del océano a bordo de un sumergible, sin saber si James sigue vivo…

'Submergence' es un drama de factura impecable, pero de una terrible frialdad narrativa que divaga entre las aguas de sus tres historias hasta naufragar en su propio artificio. Parece mentira que el autor de aquella Obra Maestra que es 'París, Texas' (1984), lleve unos años deambulando por el cine como alma en pena y ahora nos traiga este drama romántico sin un ápice de emoción. El eje sobre el que intenta sostenerse la película es una historia de amor pasional, poco creíble y sin química, aderezada por un lado con la aventura como investigadora marina de ella, tan metafísica como aburrida, y por otro lado con el sufrimiento de él cuando es capturado y torturado por un grupo yihadista. Vamos, tres historias que difícilmente encajan en un solo relato y obligan al espectador a hacer un sobreesfuerzo en ese zapping imposible en busca de algún elemento que le haga engarzar los elementos de forma armoniosa. Wenders no lo logra y encima se enreda con el guion de Erin Dignam, tan pretencioso como inane, donde tan sólo la belleza de algunas imágenes y el carisma de los dos protagonistas, James McAvoy y la actriz de moda, Alicia Vikander, logran sacar del sopor absoluto al público, durante las casi dos horas de proyección.

 

Enviado Especial UC (Daniel Farriol).


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