Publicidad

 

Especiales - 66 Festival de Cine de San Sebastián

 

PALMARÉS

PREMIOS OFICIALES

Concha de oro a la mejor película: Entre dos aguas de Isaki Lacuesta
Premio especial del Jurado: Alpha (The Right to Kill) de Brillante Mendoza
Concha de Plata a la mejor director: Benjamín Naishtat por Rojo
Concha de plata a la mejor actriz: Pia Tjelta por Blind Spot de Tuva Novotny
Concha de plata al mejor actor: Dario Grandinetti por Rojo de Benjamín Naishtat
Premio del Jurado a la mejor fotografía: Pedro Sotero por Rojo de Benjamín Naishtat
Premio del Jurado al mejor guion: Paul Laverty por Yuli de Icíar Bollaín ex-aequo Louis Garrel y Jean-Claude Carrière por Un hombre fiel (L’homme fidèle) de Louis Garrel

Premio Kutxabank — New Directors

Mejor película: Jesus de Hiroshi Okuyama
Mención especial: Viaje al cuarto de una madre de Celia Rico

Premio Horizontes

Mejor película: Familia sumergida de María Alché
Mención especial: El Motoarrebatador de Agustín Toscano

Premio Zabaltegi-Tabakalera

Mejor cortometraje: Song for the Jungle de Jean-Gabriel Périot
Mención especial a mejor cortometraje: Los que desean de Elena López Riera

Premio del Público Ciudad Donostia / San Sebastián

Mejor película: Un día más con vida — Another Day of Life de Damian Nenow y Raúl de la Fuente
Premio película europea: Girl de Lukas Dhont

Otros premios

Premio Irizar al Cine Vasco: Oreina de Koldo Almandoz
Premio de la Juventud: Viaje al cuarto de una madre de Celia Rico
Premio RTVE – Otra Mirada: The Third Wife de Ashleigh Mayfai
Premio Cooperación Española: Los silencios de Beatriz Seigner

Premios paralelos

Premio FIPRESCI: High Life de Claire Denis
Premio Fedeora: Viaje al cuarto de una madre de Celia Rico
Premio FEROZ Zinemaldia: Quién te cantará de Carlos Vermut
Premio al Mejor Guión Vasco: Niall Johnson, Amaia Remírez, David Weber, Raúl de la Fuente por Un día más con vida — Another Day of Life de Damian Nenow y Raúl de la Fuente
Premio Lurra – Greenpeace: Dantza de Telmo Esnal
Premio SIGNIS: Entre dos aguas de Isaki Lacuesta
Mención especial SIGNIS: Alpha (The Right to Kill) de Brillante Mendoza
Premio de la Asociación de Donantes de Sangre de Gipuzkoa, a la Solidaridad / Elkartasun Saria: Baby de Liu Jie
Premio Sebastiane: Girl de Lukas Dhont

 

VALORACIÓN PERSONAL DE ESTA EDICIÓN:

Ha sido una buena edición donde se han visto obras de corte clásico combinadas con otras más arriesgadas, con cierta inclinación por introducir el cine de género entre las propuestas de la Sección Oficial, algo que siempre he aplaudido. De las 22 propuestas de Sección Oficial pudimos ver 15 títulos entre los que nos entusiasmaron films como 'El Reino', 'Entre dos aguas' o 'Quien te cantará' y nos decepcionaron otros como 'Beautiful Boy', 'Blind Spot, 'High Life', 'Vision`o 'Illang: The Wolf Brigade', pero no porque se traten de malas películas sino porque no conectamos emocionalmente con ellas. La calidad media creo que fue más alta a la vista en otras ediciones recientes. Nos queda la espinita de no haber podido ver 'Rojo' pese a la carrera que nos metimos y que una fallo organizativo en el Trueba nos dejó en la calle, lo más doloroso es que finalmente se llevó tres premios en el palmarés y me es imposible valorarlos, pero ya la recuperaremos más adelante. Este año por planificación de horarios pude asistir poco a la sección Nuevos Directores que el año me hizo disfrutar tanto, aunque me llevo a casa esa joya que es 'Viaje al cuarto de una madre' y es en Perlas donde cada año se disfruta más porque siempre hay una selección magnífica de obras que provienen de otros festivales. En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de ver maravillas como 'Girl' (una de las películas que más me han impactado este año), 'Roma'. 'Ash is Purest White' o 'A Star is Born' (que no tenía planeado ir por prejuicios y resultó ser fantástica), menos entusiasmo me provocaron 'First Man' o 'Cold War', pese a sus enormes méritos artísticos.

Este año ha habido algunos problemas organizativos y la capacidad de algunas salas era insuficiente para albergar algunas películas que tenían gran expectativa por parte de toda la prensa e indutria acreditada. En lo particular, sólo me quedé fuera de 'Rojo', pero tuve que soportar largas colas para no perderme algunas otras. Lo de las colas da para un tema aparte, cada año la gente empieza a hacer cola antes, algunos más de una hora antes de la proyección!!!! Los cinéfilos se están convirtiendo en cinéfagos y tal como salen de visionar una película, ya empiezan a hacer cola a la siguiente, sin tiempo de hacer la digestión de lo que acaban de ver. Es algo que me agobia un poco, en un festival de cine es indipensable disfrutar de la gran pantalla al mismo tiempo que se disfruta de los placeres que ofrece una ciudad tan maravillosa como Donosti. Como le leí a José Luis Rebordinos, el entrañable director del Festival, en una entrevista: "Este Festival ya no puede crecer más". Y es cierto, la tendencia al alza en los últimos 5 años ha sido clara y lo sucedido en este ha dejado claro que el Festival ha llegado a su máxima capacidad de público y acreditados si se quiere mantener un alto grado de comodidad en el festivalero. Para crecer se necesitan más salas, más proyecciones o aprovechar algunos espacios mejor, pero si eso no es posible, mejor dejarlo como está que buscar seguir creciendo por encima de sus posibilidades. Por redes he leído mucho sobre esto y me consta que ya se está trabajando y pensando en la manera para que la próxima edición se subsanen algunos de los errores cometidos en esta edición, está claro que los primeros interesados en que el Festival siga siendo el mejor de España y uno de los mejores del mundo, son ellos mismos. Tampoco quiero que se me malinterprete, no ha sido ningún caos, pero hubo 4 o 5 sesiones donde las previsiones fueron sobrepasadas (es inconcebible ver una película desde el suelo o las escaleras como vi a prensa en 'Roma'), y creo que era un tema evitable con otra planificación, pero como digo, en lo particular sólo lo sufrí en el pase de 'Rojo' e incluso si uno se organizaba bien se podrían cuadrar hasta los horarios de 'Roma', 'The Sisters Brothers', 'Baby'' y 'Blackkklansman' de los que tanto se quejó la gente al coincidir sus pases de prensa a la misma hora, yo pude verlas todas, aunque finalmente me salté la de Spike Lee por cansancio, no por horario.

Son 13 años seguidos que voy al Festival, primero únicamente como público, desde hace unos cuantos años como prensa acreditada y siempre estaré agradecido al Festival por confiar en mi trabajo en esta humilde web, si me dejan el año que viene volveré a repetir, yo ya estoy contando los días para la edición 67 que seguro también será espectacular. Gracias, a todos lo que hacen posible este Festival!!! Gracias, Donosti!!!

 

(PÁGINA EN ACTUALIZACIÓN)
Te recomendamos que visites a menudo esta página, porque seguiremos colgando más críticas de los films proyectados en San Sebastián.

 

CRÍTICAS

SECCiÓN OFICIAL

'ENTRE DOS AGUAS' de Isaki Lacuesta (España) -136 min.-
Intérpretes: Israel Gómez Romero, Francisco José Gómez Romero.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Isra y Cheíto son dos hermanos gitanos: Isra fue sentenciado a prisión por tráfico de drogas y Cheíto se alistó en la Infantería de la Marina. Cuando Isra sale de prisión y Cheíto vuelve de una larga misión, regresan a la isla de San Fernando. El reencuentro entre ambos hermanos trae consigo los recuerdos de la violenta muerte de su padre cuando apenas eran unos niños. Doce años han pasado desde La leyenda del tiempo, la película de Lacuesta cuando Isra y Cheíto eran adolescentes. Ahora Isra regresa a San Fernando para recuperar a su esposa e hijas. ¿Pero cómo logrará salir adelante en el lugar con la tasa de desempleo más alta de España? Su búsqueda de redención, su necesidad de ordenar sus vidas y reconciliarse entre sí une a Isra y Cheíto una vez más.

'Entre dos Aguas' cabalga en la frontera de la ficción y el docudrama, con un acercamiento sincero y realista a sus personajes, desgranando una emocionante historia sobre el paso del tiempo y la difícil supervivencia en un entorno marginal. Fue a gran vencedora del Festival de San Sebastián al alzarse con la preciada Concha de Oro, algo que extrañó a pocos, especialmente si tenemos en cuenta que el Jurado estaba presidido por Alexander Payne, un cineasta al que le encanta realizar retratos costumbristas donde converge la naturalidad y realismo del personaje vs el entorno, a través del filtro de su peculiar humor. Salvando las distancias y diferencias estilísticas, la nueva película de Isaki Lacuesta, co-escrita con Isa Campo y Fran Araújo, tiene ese punto de costumbrismo social, de acercamiento a la veracidad de sus personajes que actúan ante cámara con la naturalidad de quien es filmado en un documental (por algo los actores no lo son en realidad si no que se interpretan a sí mismos), y pese a ser una historia dramática, también hay espacio para el humor. 'Entre dos aguas' es la secuela de 'La leyenda del tiempo' (2006), retomando a los chavales protagonistas de aquella para dar un nuevo vistazo a sus vidas y comprobar en que se han convertido. Entre las dos películas existe un claro diálogo, pero no es necesario haber visto la primera para disfrutar de esta nueva entrega, ya que se insertan breves flashbacks a modo de recordatorio cuando Lacuesta considera necesario que confrontemos el universo de ambas películas. Veremos los dos caminos diferentes tomados por los hermanos gitanos, uno se ha alistado en la Marina para mantener a su familia y brindarle un futuro próspero y el otro recién salido de la cárcel que no encuentra su ubicación en el mundo y se debate entre trapichear con drogas para salir adelante o sentar la cabeza y luchar por su familia. Lacuesta se acerca a sus personajes con una cámara que escudriña su alma, sin juicios ni buscando el melodrama gratuito, es más una visión naturalista que, pese a excederse con el metraje, logra un emocionante viaje por la vida con sus placeres y trabas, un canto a la búsqueda de la felicidad y a la necesidad de madurar para lograr nuestros objetivos reales, también a lo importante que es la amistad entre hermanos y lo difícil que resulta a veces entenderlo. Con 'Entre dos aguas', Lacuesta logra uno de sus mejores trabajos junto a 'Los Condenados' (2009) y 'La Próxima Piel' (2015). También se llevó el Premio SIGNIS.

 

'QUIEN TE CANTARÁ' de Carlos Vermut (España - Francia) -124 min.-
Intérpretes: Najwa Nimri, Eva Llorach, Natalia de Molina, Carme Elías.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Lila Cassen era la cantante española con más éxito de los noventa hasta que desapareció misteriosamente de un día para otro. Diez años después Lila prepara su triunfal vuelta a los escenarios pero, poco antes de la esperada fecha, pierde la memoria al sufrir un accidente. Violeta vive dominada por su conflictiva hija Marta. Cada noche escapa de su realidad haciendo lo único que la hace feliz, imitar a Lila Cassen en el karaoke donde trabaja. Un día Violeta recibe una fascinante propuesta: enseñar a Lila Cassen a volver a ser Lila Cassen.

'Quien te Cantará' es un melodrama de narrativa irregular, pero fascinante envoltorio. No es tan original y audaz como los anteriores trabajos de Carlos Vermut, pero tal vez sea más maduro y profundo. No lo tenía fácil Vermut tras irrumpir en escena con la rompedora y sorprendente 'Diamond flash' (2011) y mantener el listón alto con la perturbadora 'Magical Girl' (2014), así que la expectación ante su tercer obra era máxima. La película ha cosechado grandes críticas y se le augura un buen camino en los premios de este año, aunque hay que reconocer que 'Quien te Cantará' tiene algunos déficits narrativos, especialmente en toda la subtrama de la hija protagonizada por Natalia de Molina, donde el director pierde el pulso varias veces y no logra transmitir la intensidad dramática que requieren algunas de esas secuencias. Por suerte, la trama protagonizada por Violeta y Lila, es decir, Eva Llorach y Najwa Nimri, resulta mucho más interesante y, por momentos, fascinante. Con una puesta en escena, a veces austera, a veces prodigiosa, se nos muestra un juego de espejos de identidades complementarias y una simbiosis de dos cuerpos como se refleja en la imagen del póster promocional. Esa relación que surge de la admiración del fan hasta la transformación en diva, esa necesidad de recuperar la memoria de lo que alguna vez fuimos y especialmente esa relación de dependencia entre ambas mujeres, da a lugar a las mejores secuencias de la película, donde resulta difícil despegarse del entramado creado por Vermut y que bebe directamente de 'Persona' (Ingmar Bergman, 1966). 'Quien te Cantará' es un film que seguro que gana con más visionados, Vermut se lanza sin complejos al melodrama intimista y casi renuncia al peculiar sentido del humor que impregna sus anteriores obras, pero está claro que nos hallamos frente a uno de los directores más inteligentes y creativos del panorama actual de nuestro cine. Recibió el Premio FEROZ Zinemaldia de la crítica acreditada.

 

'ALPHA, THE RIGHT TO KILL' de Brillante Mendoza (Filipinas) -94 min.-
Intérpretes: Allen Dizon, Elijah Filamor, Baron Geisler.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Con el trasfondo de las enérgicas medidas del gobierno para luchar contra las drogas ilegales, la policía, liderada por los SWAT, lleva a cabo una operación para arrestar a Abel, uno de los mayores capos de la droga de Manila. El oficial de policía Espino y Elijah, un camello de poca monta convertido en confidente, proporcionan la información para la operación, que pronto desemboca en una violenta confrontación armada entre los SWAT y los hombres de Abel en un barrio de chabolas. Antes de que los investigadores irrumpan en el lugar de los hechos, Espino y Elijah huyen llevándose la mochila de Abel llena de dinero y metanfetaminas. Este gesto, de supervivencia para uno y de corrupción para el otro, desata una peligrosa serie de acontecimientos, a lo largo de la que ambos arriesgarán sus reputaciones, sus familias y sus vidas.

'Alpha, The Right to Kill' es un thriller de corte criminal sobre la corrupción policial y sobre la miseria que acarrea en su entorno el negocio de la droga, habitualmente en barrios de gente humilde que ve en ese negocio la única salida económica para mantener a su familia, pese a los riesgos que conlleva. El film está dirigido por Brillante Mendoza, prolífico cineasta filipino habitual de los certámenes más prestigiosos como Cannes, Venecia o Locarno, que impregna su obra con un halo realista de cine social en su descripción del paisaje urbano y personajes, pero lo combina adecuadamente con el cine de género, con una trama policiaca que mantiene la tensión durante su metraje, especialmente en una primera mitad bastante potente. La cámara nerviosa de Mendoza nos sitúa en el meollo de la acción, a ras de suelo con sus personajes principales, por un lado un policía corrupto y por otro un camello que es su confidente y obligado cómplice en el intento de robo de mercancía para conseguir dinero extra. Lástima que la trama no sea demasiado original y se torne previsible en su desarrollo, aún así mantiene algunos golpes de efecto contundentes y la fotografía constantemente granulada y sucia de Joshua A. Reyles ayuda a crear una ambientación casi documentalista que otorga credibilidad al conjunto. La película recibió inesperadamente el Premio Especial del Jurado, ya que pasó sin pena ni gloria por el Festival, aunque merece la pena un poquito más de atención de la que obtuvo. También recibió una Mención especial SIGNIS.

 

'EL REINO' de Rodrigo Sorogoyen (España) -131 min.-
Intérpretes: Antonio de la Torre, Bárbara Lennie, Mónica López, José María Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, Luis Zahera.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Manuel, un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, observa cómo su perfecta vida se desmorona a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Mientras los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo, el partido cierra filas y únicamente Paco sale indemne. Manuel es expulsado del reino, señalado por la opinión pública y traicionado por los que, hasta hace unas horas, eran sus amigos. Aunque el partido pretende que él cargue con toda la responsabilidad, Manuel no se resigna a caer solo. Con el único apoyo de su mujer y de su hija, y atrapado en una espiral de supervivencia, Manuel se verá obligado a luchar contra una maquinaria de corrupción que lleva años engrasada y contra un sistema de partidos en el que los reyes caen, pero los reinos continúan.

'El Reino' es un thriller político con un ritmo frenético que culmina con algunas secuencias cumbre en su tramo final como la asfixiante huída por la carretera. Podría componer un interesante díptico sobre la corrupción política endémica de nuestro país junto a 'El Hombre de las Mil Caras' (Alberto Rodríguez, 2016), con la que también comparte su forma de acercarse a la radiografía crítica de los chanchullos existentes en las altas esferas y que estamos hartos de que encabecen desde hace años todos los telediarios. Ambas películas lo hacen desde una óptica que flirtea con el cine de género, convirtiéndolas en productos accesibles comercialmente a todo tipo de público. Esa búsqueda del equilibrio entre crítica social y puro entretenimiento cinematográfico, puede conllevarle algunas críticas que la considerarán algo superficial, sin embargo, el film no esconde sus armas y su discurso reivindicativo está presente en primer término desde esa escena inicial con comilona incluida. No creo que suponga un hándicap el que la película huya de un planteamiento farragoso para adentrarse en el cine de acción y suspense, es más, creo que es un acierto. Rodrigo Sorogoyen co-escribe junto a su inseparable colaboradora Isabel Peña, y dirige este thriller contundente tras el éxito de su anterior thriller policiaco 'Que Dios nos perdone' (2016), respecto al que considero alcanza un grado de madurez que no tenía en aquella, solventando mejor los "excesos" dramáticos del guion, convirtiéndolos en activos para generar más tensión como sucede, por ejemplo, en las secuencias de la grabación de la conversación, la visita a la casa donde hay una fiesta para encontrar pruebas incriminatorias y la ya citada que comienza en una gasolinera y termina violentamente en una carretera. El film cierra con otra secuencia ejemplar en un estudio de televisión, donde se reparte hacia varios lados y aún reconociendo su tendencia al efectismo, se convierte en un magnífico broche final para un thriller ejemplar de principio a fin, con unos brillantes Antonio de la Torre, Bárbara Lennie, José María Pou y Luis Zahera, encabezando el reparto.

 

'IN FABRIC' de Peter Strickland (Reino Unido) -118 min.-
Intérpretes: Marianne Jean-Baptiste, Hayley Squires, Leo Bill, Gwendoline Christie, Sidse Babett Knudsen.

(Sección Oficial)

Sinopsis: In Fabric transcurre sobre el telón de fondo del ajetreado periodo de las rebajas de invierno en unos grandes almacenes y sigue los pasos de un vestido maldito conforme pasa de mano en mano, con devastadoras consecuencias.

'In Fabric' es un giallo post-moderno, un film imaginativo, divertido e irreverente al que le sobra mucho metraje para no repetir y alargar sus gags. Un vestido maldito, consumismo emocional y un WTF constante es la nueva apuesta de uno de los directores británicos más personales del momento, autor de 'Berberian Sound Studio' (2012) y 'The Duke of Burgundy' (2014), dos obras de culto entre aficionados al cine de género. 'In Fabric' se divide en dos partes, son dos mediometrajes protagonizados por un personaje central diferente, pero unidos por una serie de acontecimientos relacionados con el vestido rojo de marras. La primera parte resulta novedosa y te atrapa en mundo extraño e irracional, siendo la segunda parte más de lo mismo y, por tanto, menos destacable. Eso sí, visualmente tiene una potencia indudable, siendo una referencia constante el colorista y terrorífico universo de Dario Argento, con brujas incluídas (de hecho, muchos afirman con alevosía que el film de Strickland tiene más de remake de 'Suspiria' que el propio reciente remake efectuado por Luca Guadagnino), y también me recordó un poco al descaro visual que tenía Brian De Palma en sus obras más hitchcockianas. 'In Fabric' no gustará a todos, sacará de quicio a los espectadores más puristas porque tiene algunas escenas donde a Strickland se le va la mano con su dosis de surrealismo cómico y traspasa la línea de lo zafio, pero hay que reconocerle el mérito de su osadía y algunas de sus imágenes se volverán icónicas con los años, como ese vestido asesino volador o la caracterización de la actriz Sidse Babett Knudsen como responsable de esos grandes almacenes que esconden una orgía de consumismo enfermizo y un akelarre de emociones inesperadas.

 

'BLIND SPOT' de Tuva Novotny (Noruega) -102 min.-
Intérpretes: Pia Tjelta, Anders Baasmo Christiansen, Oddgeir Thune, Per Frisch, Marianne Krogh.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Blind Spot se centra en las dificultades de una madre para entender la crisis de su hija adolescente, cuando la tragedia golpea a toda la familia.

'Blind Spot' es técnicamente un virtuoso plano secuencia de más de hora y media, pero que se eterniza de manera efectista, olvidándose de profundizar en una historia que podía haberse resumido en 10 minutos si se hubiera rodado de manera “tradicional”. Fue una de las películas que más polarizó a prensa y crítica, para algunos una de las mejores películas del Festival, para otros (entre los que me incluyo) una gratuita demostración de ese cine donde la forma está por encima del fondo. Y es una pena, porque la película no empieza del todo mal y tras unas largas secuencias de diálogos intranscendentes ocurre el hecho que supone el único giro dramático en la historia, pero suficientemente potente para explorar psicológicamente a sus personajes y ofrecer datos que complemente lo que estamos viendo más allá de una constante recreación en el dolor en primera persona, especialmente centrada en la interpretación de Pia Tjelta que fue galardonada con la Concha de Plata, pese a estar hiperventilada toda la película y no ofrecer los matices que tenían otras interpretaciones. El plano secuencia que siempre es algo atractivo de ver, aquí se vuelve tedioso como en esos trayectos o esperas que buscan contagiar la angustia del momento al espectador y terminan exaperásdonlo (al menos en mi caso). Se puede ver como una velada crítica al sistema sanitario noruego, a la irracionalidad de una juventud sin referentes identitarios sólidos o la desestructuración de una sociedad aparentemente madura, pero son temas que se intuyen y se desarrollan más en el cerebro del espectador más impaciente y que necesite mantenerlo ocupado mientras se suceden las imágenes de dolor en la pantalla, sin que Tuva Novotny quiera dar explicaciones o descubrir nuevos caminos desde el primer giro dramático. Lo dicho, como corto de 10-15 minutos hubiera sido bastante impactante, pero como largo me resulta pedante y grandilocuente, con un discurso más pobre del que quiere aparentar escondido en ese largo plano secuencia, visualmente tan poderoso.

 

'VISION' de Naomi Kawase (Japón - Francia) -109 min.-
Intérpretes: Juliette Binoche, Masatoshi Nagase.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Jeanne va a Japón en busca de una extraña planta medicinal. Durante el viaje, conoce a Tomo, un guarda forestal, que la ayuda en su búsqueda y la guía a través de las huellas de su pasado. Veinte años antes, en el bosque de Yoshino, Jeanne vivió su primer amor.

'Vision' es la vuelta a los orígenes del cine de Naomi Kawase y su eterna confluencia del hombre vs. la naturaleza, temas que ya retrataba de forma casi documentalista en sus primeros films y que va retomando como en 'Mogari no mori (El bosque del luto)' (2007) o 'Futatsu me no mado (Aguas tranquilas)' (2014). La película tiene una gran belleza formal, con una preciosista fotografía de Arata Dodom pero su argumento queda diluido entre el artificio melodramático y cierta confusión en su planteamiento que termina aburriendo al personal, especialmente a los que se acercaron a su cine con sus films más "comerciales" como 'An (Una pastelería en Tokio)' (2015). Si en su anterior film 'Hikari (Hacia la luz)' (2017), sí lograba un equilibrio entre su virtuosismo estético y una historia de amor central como eje para sus reflexiones sobre la vida, aquí todo el mundo ancestral y de fábula se torna una pesada losa sobre la historia de amor protagonizada por una pareja con poca química en pantalla como son Juliette Binoche y Masatoshi Nagase. Este film sobre el lenguaje de las emociones y la comunicación entre cuerpo y espíritu se deja ver, pero nunca traspasa la pantalla y nos deja bastante fríos.

 

'BEAUTIFUL BOY' de Felix Van Groeningen (EEUU) -120 min.-
Intérpretes: Timothée Chalamet, Steve Carell, Maura Tierney, Amy Ryan.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Basada en el best-seller de las memorias de David y Nick Sheff, padre e hijo, la película de Felix Van Groeningen narra la desgarradora e inspiradora historia de supervivencia, recaída y recuperación de una familia que lidió con la adicción durante muchos años.

'Beautiful Boy' es un drama familiar intimista y telefilmero que propone un viaje a los infiernos de la droga, la dependencia que provoca y las consecuencias que acarrea en su entorno familiar. Sin embargo, el acercamiento que realiza Felix Van Groeningen, director y co-guionista junto Luke Davies, contiene un exceso de edulcorante y provoca una extraña sensación en el espectador que nunca acaba por sumergerse en el dolor que sienten los protagonistas de la película, siempre subrayados con una música que resulta igualmente anacrónica con lo que se está explicando. Van Groeningen sorprendió hace unos años con un film de similares características, pero mucho más acertado, 'Alabama Monroe' (2012), que también planteaba un drama familiar lacrimógeno con el impacto que sufría la relación de una peculiar pareja cuando su hija era diagnosticada con una terrible enfermedad. En aquella ocasión, el drama lograba un equilibrio constante entre la emoción y una narrativa visualmente preciosista que le llevó incluso a cosechar una nominación al Oscar como mejor film de habla no inglesa. En 'Beautiful Boy' se busca repetir la fórmula, con la enfermedad de la drodependencia en un joven de clase media-alta que para nada vive en un entorno conflictivo ni marginal, es más, su familia en lugar de repudiarlo, lo intenta ayudar en todo lo posible. Por tanto, la película podría haber sido una interesante vuelta de tuerca al tema de la dependencia y la caída en su abismo de personas que no albergan ninguna razón de peso para hacerlo, pero no lo consigue, la historia cae en el mismo círculo vicioso repetitivo de su protagonista y no se sabe muy bien hacia donde nos quiere llevar. Con un estupendo duelo interpretativo entre Timothée Chalamet y Steve Carell, donde ambos suenan como oscarizables, la película gana enteros, pero su estética videoclipera no ayuda en aportar la credibilidad y realismo necesarios.

 

'YULI' de Icíar Bollaín (España - Cuba - Reino Unido - Alemania) -109 min.-
Intérpretes: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olbera, Laura de la Uz.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Yuli narra la vida del bailarín cubano Carlos Acosta (quien se interpreta a sí mismo), desde sus orígenes en un barrio humilde de La Habana, hasta convertirse en la estrella de una de las más grandes compañías de ballet del mundo. Yuli (apodo familiar de Carlos) es un niño con grandes condiciones que no quiere ser bailarín, y que, obligado a la fuerza por su padre, Pedro, y tutelado por su maestra y directora de la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, Cherry, llegará a ser uno de los mejores bailarines de su generación, rompiendo tabúes al convertirse en el primer bailarín negro en interpretar a Romeo en el Royal Ballet de Londres, donde forjó su carrera estelar y su leyenda durante 17 años. Yuli es una película sobre las raíces, sobre el baile, sobre la relación entre Carlos y su padre, con su familia, con Cuba. Yuli habla del arte, del sacrificio que supone dedicar la vida a él y, sobre todo, de lo que uno es.

'Yuli' es buen biopic sobre el bailarín cubano Carlos Acosta que nos muestra su infancia, su inicio forzado en el mundo de la danza y su crecimiento personal hasta alcanzar el estrellato, pero centrado en su entorno familiar y especialmente la conflictiva relación con su padre, principal instigador para que se convirtiera en lo que es ahora actualmente. Escrita por Paul Laverty que se llevó el Premio al Mejor Guion, ex-aequo con el de Louis Garrel y Jean-Claude Carrière por 'L'Homme Fidèle', está dirigida por la española Iciar Bollaín, cineasta poco prolífica que suele escoger con tiento todos sus proyectos, siendo posiblemente sus obras cumbre hasta la fecha 'Flores de otro mundo' (1999) y 'Te doy mis ojos' (2003). En 'Yuli', con una narrativa clásica, logra un buen drama familiar que se sustenta en lo potente de la historia de superación que cuenta, pero que tiene un desarrollo demasiado de manual cuando la propuesta apuntaba la posibilidad de una interesante utilización de la danza como narración alternativa. Sin duda, la película hubiera sido más interesante y arriesgada si se hubiera decantado por la experimentación con esas secuencias donde el baile explica parte de la trama sin palabras, pero Bollaín se muestra tímida con el uso de ese recurso y a menudo subraya nuevamente la acción de esas secuencias con imágenes sobreexplicativas que desdibujan el impacto que podrían haber tenido dejando al espectador imaginarlas a través de los movimientos de los bailarines. Aún así, la película funciona bien y siempre mantiene el interés del espectador, obviando los momentos más truculentos para centrarse en el mensaje positivo.

 

'L'HOMME FIDÈLE (A FAITHFUL MAN)' de Louis Garrel (Francia) -75 min.-
Intérpretes: Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily-Rose Depp.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Marianne abandona a Abel por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que espera. Ocho años después, Paul fallece. Abel y Marianne vuelven a estar juntos, lo que provoca los celos tanto del hijo de Marianne, Joseph, como de la hermana de Paul, Eva, secretamente enamorada de Abel desde su infancia.

'L'Homme Fidèle' es una comedia francesa entretenida y simpática, pese a algunas ínfulas autorales, que relata un triángulo amoroso (cuarteto si contamos al niño que además tiene los mejores gags) con habilidad y elegancia. Está dirigida y protagonizada por Louis Garrel, y escrita a cuatro manos por él mismo junto a Jean-Claude Carrière, colaborador habitual de Luis Buñuel y uno de los guionistas europeos más respetados. No en vano, el guion es uno de los puntales del film y obtuvo el reconocimiento del Jurado con el premio a Mejor Guion ex-aequo junto al de Paul Laverty para 'Yuli'. El texto contiene diálogos frescos e inteligentes, revitalizando el sobado tema del triángulo sentimental y logrando un conjunto que sin ser transcendente sí que alcanza la complicidad del espectador, aunque algunas voces lo tacharon de machista sin entender que la comedia es llevar al extremo algunas situaciones. Además, tiene una duración ajustada de 75 minutos que la hace aún más liviana y agradable de ver, acostumbrados hoy en día a la incontinencia artística que lleva a alargar las películas por encima de sus posibilidades como demostraba el que hubiera en la selección de esta edición más de una veintena de films que superaban las 2 horas. Garrel mantiene un pulso narrativo ágil y deudor de la comedia clásica, cediendo el protagonismo a sus dos partenaires femeninas, Laetitia Casta y Lily-Rose Depp (hija de Johnny Depp y Vanessa Paradis).

 

'LE CAHIER NOIR / THE BLACK BOOK' de Valeria Sarmiento (Francia - Portugal) -103 min.-
Intérpretes: Lou de Laâge, Stanislas Merhar, Niels Schneider, Jenna Thiam, Fleur Fitoussi, David Caracol, Vasco Varela da Silva, Tiago Varela da Silva.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Esta es la historia de las aventuras que corre, a finales del siglo XVIII, una singular pareja formada por un pequeño huérfano de orígenes misteriosos y su joven enfermera italiana, también de cuna incierta. Su estela nos lleva de Roma a París, de Lisboa a Londres, de Parma a Venecia. En la sombra, por razones ocultas, los acecha continuamente un calabrés de apariencia sospechosa y un cardenal inquietante, mientras nos hacen explorar las oscuras intrigas del Vaticano, las punzadas de una pasión fatal, un espantoso duelo, las habladurías en la corte de Versalles y las convulsiones de la Revolución Francesa.

'The Black Book' es un film desconcertante y errático que uno no sabe sin tomarse completamente en serio o a cachondeo (como algunos me decían). La historia comienza como un rutinario drama de época que se va tornando cada vez más ridículo, con un guion que retoma el folletín y lo retuerce hasta la incredulidad, provocando algunas risas involuntarias. Dirigida por la chilena Valeria Sarmiento, viuda del cineasta Raoul Ruiz, intenta seguir la estela del cine que hacía aquel, no en vano cuenta con un guion de Carlos Saboga con el que también había trabajado su marido en una de sus películas más recordadas, 'Misterios de Lisboa' (2010), inspirada en una novela de Camilo Castelo Branco, autor igualmente de la novela 'Livro Negro de Padre Dinis' que es la que inspira esta nueva película de Sarmiento, recogiendo un proyecto inacabado de Ruiz. Sin enbargo, 'The Black Book' no funciona ni como drama novelesco, ni como comedia de época, se queda en un terreno baldío sin dueño y donde resulta difícil encontrar asideros que te mantengan dentro de la acción, especialmente en la segunda mitad, donde todo resulta exagerado y anacrónico (tanto que reconozco que tuve que salirme de la sala 5 minutos antes de finalizar la proyección ante tamaño despropósito), donde no se salva ni la estupenda actriz francesa Lou de Laâge que tanto me gustó en 'Las inocentes' (Anne Fontaine, 2016).

 

PERLAS

'GIRL' de Lukas Dhont (Bélgica - Países Bajos) -105 min.-
Intérpretes: Victor Polster, Arieh Worthalter, Katelijne Damen, Valentijn Dhaenens.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Lara, de 15 años, sueña con convertirse en bailarina. Con el apoyo de su padre, se lanza de lleno a esta búsqueda interminable. Pero su cuerpo no se doblega tan fácilmente a la disciplina que le impone, porque en realidad cuando nació era un niño.

'Girl' es una de las películas de la temporada. Llegó a San Sebastián precedida de su exitoso pase por el Festival de Cannes donde recibió el Premio FIPRESCI, la Caméra d’Or, la Queer Palm y el Premio del Jurado Un Certain Regard a la Mejor Interpretación para Victor Polster. También ha sido nominada a los LUX Film Prize del Parlamento Europeo y ha sido preseleccionada para representar a Bélgica en los Oscar. En Donosti se llevó el Premio Sebastiane y el Premio del Público a la Mejor Película Europea. Toda esta ristra de galardones para la ópera prima de Lukas Dhont son más que merecidos. 'Girl' es una dolorosa aproximación a la transexualidad donde el reconocimiento identitario propio puede extrapolarse a otras situaciones por donde se transita en la adolescencia. Dura, contundente y directa, te sacude y te remueve en la butaca, tanto que algunos espectadores se marcharon de la proyección durante su secuencia final, para algunos innecesaria, pero que a mi me parece una consecuencia lógica de la deriva que toma la obsesión del personaje central por lograr una transformación emocional completa. Más allá de eso, la película resulta necesaria y también esperanzadora como demuestra el plano final. Dhont realiza un trabajo tras la cámara apabullante, donde su fisicidad y cercanía te dejan sin respiro en muchos momentos, a lo que se suma la asombrosa interpretación de Victor Polster como Lara. Un film bello y terrible al mismo tiempo, sobre la superación y sobre el dolor, sobre la fuerza de la voluntad y sobre las decepciones, en definitiva, sobre la vida y la manera en que queremos afrontarla, con valentía o sumisión. No dejes de verla, 'Girl' es un sorpresón, un film indispensable.

 

'ROMA' de Alfonso Cuarón (México) -135 min.-
Intérpretes: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Cleo, una joven empleada doméstica que trabaja en Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. En esta exquisita carta de amor dirigida a las mujeres que lo criaron, Cuarón rescata fragmentos de su infancia para tejer un retrato emotivo y auténtico de los conflictos domésticos y de la jerarquía social con la turbulenta situación política de los años 70 como telón de fondo.

'Roma' es un lienzo en blanco y negro (la fotografía es del propio director) que se llena con recuerdos, anécdotas, cotidianidad y verdad sobre la vida de una familia, donde la historia son sus propios personajes, un homenaje del propio guionista y director, Alfonso Cuarón, a sus propios recuerdos y los recuerdos de sus antepasados. Rodada con maestría y sensibilidad, tiene unos 45 minutos finales antológicos, donde se ve la mano en el montaje también de Cuarón, ayudado por Adam Gough, habituado en el montaje de documentales. El film empieza de manera serena y nos va introduciendo poco a poco en la vida cotidiana de Cleo, esa empleada del hogar que es casi parte de la familia de los niños a los que tiene al cuidado. Cleo está interpretada por Yalitza Aparicio, en su debut ante las cámaras, ya que no es actriz sino maestra de preescolar, y es todo un acierto que ese personaje lo interprete alguien desconocido y que le puede aportar tanta verdad y humanidad, algo que traspasa la pantalla, con lo que nos resultará fácil identificarnos con ella. Ese personaje es la columna vertebral de 'Roma' y está inspirado en la nana que cuidó de Cuarón de pequeño, un bello homenaje a una mujer que significó tanto en su infancia. La veremos aprender lecciones de vida, madurar, sufrir y mantenerse siempre digna, rodeada de los cambios que va sufriendo el país y la sociedad donde vive. El film avanzará entre la cotidianidad y los detalles que van caracterizando a sus personajes, pero es en la segunda mitad de la película cuando Cuarón saca su capacidad para transformar la trama en algo mucho más grande, donde el drama familiar se torna tragedia en un conexto político convulso, con una secuencia como la del parto, especialmente llena de tensión, no tiene nada que envidiar a las de 'Gravity' (2013) o 'Hijos de los Hombres' (2006), con las que comparte algunas ideas sobre la familia y la pérdida, en aquellas utilizando como colchón la ciencia-ficción y en 'Roma' mostrada desde el neorrealismo más natural y cruel al mismo tiempo. Una obra cumbre del cine de este año que puede suponer un punto y a parte en el tipo de cine a desarrollar en el futuro por Cuarón, se verá.

 

'A STAR IS BORN' de Bradley Cooper (EEUU) -135 min.-
Intérpretes: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Dave Chappelle.

(Sección Perlas)

Sinopsis: En esta nueva versión de la icónica historia de amor, Bradley Cooper debuta como director y encarna a Jackson Maine, un experimentado músico que descubre a Ally, una artista en aprietos de la que se enamora, interpretada por Lady Gaga. Ally ha abandonado su sueño de convertirse en una cantante de éxito hasta que conoce a Jack, que inmediatamente ve su talento natural. Esta historia íntima nos lleva en un viaje a través de la belleza y los desafíos de una relación que lucha por sobrevivir.

'A Star is Born' es un absoluto pelotazo comercial, un remake rodado con brillantez que no desmerece a sus predecesoras y con una Lady Gaga estelar. Cine de espíritu blockbuster, pero con una indudable calidad escénica que a mi particularmente me sorprendió mucho, además de tener una banda sonora destacable, con clásicos como 'La Vie en Rose' y temas nuevos como 'Shallow' o 'I'll Never Love Again'. Esta es la cuarta versión de 'Ha nacido una estrella' tras la del año 1937 dirigida por William A. Wellman e interpretada por Jane Gaynor y Frederic March, la del año 1954 dirigida por George Cukor e interpretada por Judy Garland y James Mason, y la del año 1976 dirigida por Frank Pieron e interpretada por Barbra Streisand y Kris Kristoferson (siempre y cuando no contemos la versión india titulada 'Aashiqui 2' de 2013, dirigida por Mohit Suri e interpretada por Aditya Roy Kapur y Shraddha Kapoor). Y hay que decir que la nueva versión dirigida por Bradley Cooper e interpretada por él mismo junto a la cantante Lady Gaga, no desmerece para nada las versiones anteriores y muestra el talento de Cooper tras las cámaras en su ópera prima. El film tiene unos primeros 40 minutos realmente espectaculares, ya la primera secuencia del concierto nos avecina una gran espectáculo y tanto la historia de amor posterior como los primeros pasos en el mundo de la música juntos son momentos de cine en letras mayúsculas, con una gran química entre Cooper y Gaga, ella toda una revelación que acaba comiéndose la cámara. La historia nos la sabemos de memoria, el auge de ella y la caída de él, pero no nos importa volverla a ver porque está muy bien contada, así que seguiremos pegados a la pantalla durante toda la proyección, emocionándonos por el camino. Es cierto que durante el segunda acto, el ritmo se vuelve un poco más irregular y que la irrupción del drama puede socavar el entusiasmo que teníamos hasta entonces, pero Cooper mantiene el pulso y filma sin demasiados excesos (tan sólo la escena de la entrega de premios me chirría), con una puesta en escena impecable y un sonido espectacular, esta gran y dolorosa historia de amor donde la música es la protagonista, te atrapará.

 

'ASH IS PUREST WHITE' de Jia Zhang-ke (China - Francia - Japón) -135 min.-
Intérpretes: Zhao Tao, Liao Fan.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Qiao está enamorada de Bin, un mafioso local. Durante una pelea entre bandas rivales, dispara una pistola para protegerle. A Qiao le condenan a cinco años de cárcel por este acto de lealtad. Tras salir de prisión, va en busca de Bin para continuar donde lo dejaron. Una historia de amor, traición y lealtad en los bajos fondos de China.

'Ash is Purest White' es un drama irregular que va mutando argumentalmente, lo que resulta muy estimulante, con un personaje femenino rico, fuerte y feminista interpretado por la siempre brillante Zhao Tao, esposa del guionista y director Jia Zhangke que, sin duda, escribió el guion pensando en ella, ya que suele protagonizar todas ellas y le va como anillo al dedo. El film tiene un inicio potente, un drama criminal sobre bandas que termina con una secuencia magnífica donde es la mujer-acompañante la que toma las riendas, una decisión en el fondo romántica que conducirá a la trama por otros derroteros. La película girará hacia un drama casi costumbrista donde seguiremos la evolución del personaje feminino y como va sobreponiéndose a todas las trabas que se encuentra por el camino, la mayoría por su ingenuidad, pero irá aprendiendo a utilizar sus armas para salir adelante. La trama está gobernada por una historia de amor no correspondida, donde el egoísmo y la necesidad son la moneda de cambio, a una persona fiel que seguirá construyendo su futuro sin ayuda de nadie. Es posible, que la media hora final se haga un poco cuesta arriba, le sobra metraje a la película, pero resulta necesaria para completar el ciclo vital de esa mujer y de esa relación nociva. Zhangke sigue mostrando su virtuosismo con la puesta en escena y su obsesión por darle un sentido contradictorio y nuevo a los temas musicales que llenaban las pistas de baile en los años 70-80-90, si en 'Mountains May Depart' (2015) fue el 'Go West' de Pet Shop Boys en una doble secuencia inicial y final inolvidables, aquí utiliza repetidamente el 'YMCA' de Village People como himno de superación para su protagonista. La película no fue acogida por parte de la crítica con el mismo entusiasmo que los anteriores trabajos de Jia Zhangke, curiosamente a mi es uno de los que más me ha gustado.

 

'FIRST MAN' de Damien Chazelle (EEUU) -141 min.-
Intérpretes: Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke.

(Sección Perlas)

Sinopsis: La película cuenta la historia de la misión más peligrosa en la historia de la Humanidad hasta el día de hoy. Un relato sobre cómo la NASA hizo llegar a Neil Armstrong a la Luna y el precio y el sacrificio que representó para muchos.

'First Man' es una decepcionante y soporífera aproximación a un hecho histórico tan apasionante como la conquista de la Luna. Damien Chazelle dirige la película de manera solvente en el apartado técnico y visual, pero se resiente al llevar a la pantalla un guion ajeno y pierde el ritmo que logró impirimir a sus anteriores films como 'La Ciudad de las Estrellas: La La Land' (2016) y 'Whiplash' (2014). El libreto está escrito por Josh Singer, ganador del Oscar junto a Tom McCarthy por 'Spotlight' (Tom McCarthy, 2015) y autor también junto a Liz Hannah de 'The Post: Los archivos del Pentágono' (Steven Spielberg, 2017), no parece encontrar nunca el equilibrio para conjugar la espectacularidad requerida al plasmar la heroíca epopeya espacial con el mundo emocional íntimo y familiar de los astronautas que formaban parte de un proyecto apremiado por las prisas para adelantar en la carrera a su enemigo ruso. Con una estructura dramática que podría recordar a la muy superior 'Elegidos para la gloria' (Philip Kaufman, 1983), Chazelle se centra en algunas constantes de su cine con un protagonista egoísta que coloca por encima de su mundo familiar y emocional el objetivo profesional por el que lucha, en este caso, su necesidad de viajar a la Luna, comparable a la necesidad que compartían los protagonistas de sus anteriores film por conseguir sus objetivos en el mundo de la música, tanto en los citados anteriormente como en su desconocida y estupenda ópera prima 'Guy and Madeline on Park Bench' (2009). Chazelle se muestra impersonal y desconocido en la puesta en escena, donde la mejor secuencia del film, aquella en que una de las pruebas no sale como se esperaba y el transbordador comienza a girar sobre si mismo sin posibilidad de detenerlo, parece directamente extraída de los descartes de 'Gravity' (Alfonso Cuarón, 2013). Tampoco ayuda un hierático Ryan Gosling, en probablemente una de las peores interpretaciones que se le recuerdan, llevando su inexpresividad al punto máximo y desprediendo a su personaje de toda emotividad, con lo que resulta complicado empatizar con él como espectador. Mucho mejor está su partenaire Claire Foy que arrebata a la película todo el interés de la historia y se convierte en el único anclaje para mantener nuestra atención en la pantalla.

 

'SE ROKH (3 FACES)' de Jafar Panahi (Irán) -100 min.-
Intérpretes: Behnaz Jafari, Jafar Panahi, Marziyeh Rezaei.

(Sección Perlas)

Sinopsis: La conocida actriz Behnaz Jafari no puede resistirse a la llamada de auxilio de una chica de provincias cuya familia quiere impedirle que siga estudiando en el Conservatorio de Teherán. Behnaz decide abandonar un rodaje y recurre al cineasta Jafar Panahi para resolver el misterio que se esconde tras los problemas de la joven. Se desplazan en coche hacia el noroeste rural del país, donde conocen a los amables habitantes del pueblo montañoso de la actriz en ciernes. Pero los visitantes no tardan en descubrir que la tradición es tan poderosa como la hospitalidad...

'3 Faces' es un buen drama rural que refleja las contradicciones de las tradiciones culturales y patriarcales arraigadas en algunas regiones de Irán. El film tiene un inicio impactante y resulta siempre interesante, aunque es cierto que durante su desarrollo a veces se excede poniendo el foco en lo anecdótico, algo que ralentiza la trama y se desvía del discurso principal. Escrita, dirigida y co-protagonizada por Jafar Panahi, autor iraní que ha estado encarcelado en su país y que realiza sus películas en la clandestinidad, logró el premio a Mejor Guion en el pasado Festival de Cannes. Panahi tiene un estilo definido, algunos le achacan que se repite, pero su narrativa neorralista conecta con facilidad con el sentimiento del espectador. La película también podría definirse como una road-movie rural, que podría recordar en su estructura a 'El Sabor de las Cerezas' (Abbas Kiarostami, 1997), donde el viaje de los protagonistas (el propio Panahi y la excelente actriz Behnaz Jafari) nos va descubriendo una serie de personajes peculiares que nos desvelan con algunos pasajes humorísticos un modo de vida anclado en el pasado. '3 Faces' es cine humanista y feminista de visionado necesario.

 

'NETEMO SAMETEMO (ASAKO I & II)' de Ryusuke Hamaguchi (Japón) -119 min.-
Intérpretes: Masahiro Higashide, Erika Karata, Koji Seto, Rio Yamashita, Sairi Itoh, Daichi Watanabe, Koji Nakamoto, Misako Tanaka.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Un día el primer amor de Asako desaparece repentinamente. Dos años más tarde, conocerá a su doble perfecto.

'Asako I & II' es un drama romántico que estuvo a competición en Cannes, dirigido por el japonés Ryusuke Hamaguchi que procede del género documental y que firma el guion junto a Sachiko Tanaka. El film es algo desconcertante, porque plantea temáticas interesantes como la aparición de un doppelgänger que te permite vivir una vida paralela a la que querías tener y algunas secuencias que podrían haber derivado hacia la intriga o hacia reflexiones más profundas sobre las relaciones sentimentales y el eterno debate entre pasión-amor o atracción-confianza. Sin embargo, la película nunca logra desprenderse por completo de la apariencia de un dorama telenovelesco enfocado hacia un público más adolescente. Esa falta de concreción de la propuesta le resta enteros, pese a su buena factura técnica y al buen trabajo de sus actores principales, especialmente Erika Karata que defiende un personaje que toma algunas decisiones poco comprensibles para cualquier espectador con cierto grado de madurez.

 

'ZIMNA WOJNA (COLD WAR)' de Pawel Pawlikowski (Polonia - Reino Unido - Francia) -89 min.-
Intérpretes: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szyc, Jeanne Balibar, Cédric Kahn.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Con la Guerra Fría como telón de fondo, una apasionada historia de amor entre dos personas de diferente origen y temperamento que son totalmente incompatibles, pero cuyo destino les condena a estar juntos. A caballo entre Polonia, Berlín, Yugoslavia y París, Cold War presenta una historia de amor imposible en tiempos imposibles.

'Cold War' era una de las películas más esperadas de la temporada, precedida de excelentes críticas y con el premio para su director, Pawel Pawlikowski, en el pasado Festival de Cannes. El director polaco ya cosechó igualmente críticas extraordinarias con su anterior film 'Ida' (2013), con la que incluso logró el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. Y la película es cierto que tiene muchos activos que la hacen especial y merecedora de atención, desde una fotografía en blanco y negro exquisita realizada por Łukasz ŻAL, el cual ya colaboró con el director en 'Ida', hasta una banda sonora de tonos jazzistícos sensual o unas buenas interpretaciones del elenco donde destaca la magnética presencia de su protagonista femenina Joanna Kulig. Sin embargo, hay algo en el frío estilo narrativo de Pawlikowski que me deja distante más allá de su apabullante puesta en escena, me sucedió algo parecido con 'Ida', y es que siempre me mantiene ausente y fuera de la acción que sucede en la pantalla y, en este caso, la apasionante historia de amor que cuenta me resulta desapasionada y poco emotiva.

 

NUEV@S DIRECTOR@S

'VIAJE AL CUARTO DE UNA MADRE' de Celia Rico Clavellino (España - Francia) -94 min.-
Intérpretes: Lola Dueñas, Anna Castillo, Pedro Casablanc.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Leonor quiere marcharse de casa, pero no se atreve a decírselo a su madre. Estrella no quiere que se vaya pero tampoco es capaz de retenerla a su lado. Madre e hija tendrán que afrontar esa nueva etapa de la vida en la que su mundo en común se tambalea.

'Viaje al Cuarto de una Madre' es un drama familiar sencillo y muy reconocible, con un duelo espectacular de actrices entre Lola Dueñas y Anna Castillo, ambas premiables de cara a la carrera de los Goya. Es una película pequeña y hermosa, donde se hablan de las pequeñas grandes cosas de la vida, con la relación materno-filial en primer plano y con el peso de la ausencia de la figura paterna en el transfondo. Esta estimulante ópera prima de Celia Rico Clavelino, lo hace todo de una manera emotiva y humana, pero huyendo del melodrama de folletín. Su gran virtud es la sutileza tanto de la austera puesta en escena como la de su guion, empeñado en describir a sus personajes a través de los detalles, como si fuera un concierto unplugged de un grupo de moda. Fue una pena que no estuviera compitiendo en la Sección Oficial, es muy superior a la mayoría de films que pudimos ver ahí, aunque fue una sorprendente alegría descubrir que se llevó el Premio de la Juventud. Y es que la película, a priori, parece destinada a un público adulto que se aleja de los blockbusters de multisala, así que sea premiada justo por un Jurado Joven es todo un mérito, muchos debieron sentirse identificados con el personaje de la hija y esa entrañable relación con la madre. Fuese como fuese, el premio recibido es más que merecido para una de las películas españolas del año, una obra de cámara rodada con mucha sensibilidad y que pone el foco en una nueva directora a la que habrá que seguir con atención su trayectoria. También recibió una Mención Especial del Jurado de Nuev@s Director@s y el Premio Fedeora.

 

'THE THIRD WIFE' de Ash Mayfair (Vietnam) -96 min.-
Intérpretes: Trần Nữ Yên Khê, Mai Thu Hường, Nguyễn Phương Trà My, Nguyễn Như Quỳnh.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: En el Vietnam rural del siglo XIX, la joven May, de 14 años, se convierte en la tercera esposa del adinerado hacendado Hung. Pronto aprenderá que solo puede mejorar su posición reafirmándose como una mujer capaz de dar a luz a un varón. Cuando se queda embarazada, las esperanzas que tiene May de ascender en la escala social se convierten en una tentadora posibilidad. Enfrentada al amor prohibido y a sus devastadoras consecuencias, May finalmente comienza a aceptar la brutal verdad: sus opciones son escasas y limitadas.

'The Third Wife' es una aproximación bellísima y sensible al despertar de la sexualidad femenina y a la supervivencia de la mujer dentro de las tradiciones más patriarcales, en este caso en el Vietnam del Siglo XIX, pero que perfectamente podrían extrapolarse a la realidad cotidiana de muchos países en la actualidad. Con un fotografía Chananun Chotrungroj exquisita y planificación escénica brillante por parte de la guionista y directora Ash Mayfair, en su debut en el largo, 'The Third Wife' nos cuenta la historia de una niña que aprende a ser mujer, que aprende a conocer su cuerpo y que aprende a descubrir y sacar partido a el mundo que le ha tocado vivir. Esa niña está interpretada por Nguyễn Phương Trà My, también en su primera película, que se come literalmente la cámara. El film tiene un ritmo pausado y contemplativo, que seduce a través de sus imágenes pictóricas y cierta semejanza con una de las películas vietnamitas más conocidas por aquí en occidente, 'El olor de la papaya verde' (Trần Anh Hùng, 1993), la cual también estaba protagonizada por una niña y cuya actriz principal era Trần Nữ Yên Khê, la esposa real del director y que aquí aparece como la primera mujer del terrateniente. 'The Third Wife' nos muestra un mundo donde la mujer sobrevive a la sombra del hombre, construyendo su pequeño mundo con la sabiduría que poco a poco las cosas van a ir cambiando a base de pequeños gestos como puede parecer un simple corte de pelo. Recibió el Premio RTVE – Otra Mirada.

 

ZABALTEGI-TABAKALERA

'MANTA RAY' de Phuttiphong Aroonpheng (Tailandia - Francia) -105 min.-
Intérpretes: Wanlop Rungkamjad, Aphisit Hama, Rasmee Wayrana.

(Sección Zabaltegi-Tabakalera)

Sinopsis: Cerca de un pueblo costero de Tailandia, donde se han ahogado miles de refugiados Rohingya, un pescador local encuentra a un hombre herido e inconsciente en el bosque. Recoge al extraño, que no habla una palabra, le ofrece su amistad y lo llama Thongchai. Pero cuando el pescador desaparece súbitamente en el mar, Thongchai comienza poco a poco a ocupar el lugar de su amigo en su vida, su casa, su trabajo y su ex mujer…

'Manta Ray' es una película francamanete extraña, fascinante y críptica. Exige mucha implicación del espectador, debida a su atípica narrativa que a penas incluye diálogos, pero contiene algunas de las secuencias visualmente más bellas que hemos visto en todo el Festival, con especial atención a un tratamiento del sonido hipnótico. Ya la primera secuencia nos atrapa en un cúmulo de sensaciones y aunque cometí el error de meterme en una sesión donde se proyectaba la película en versión original con subtítulos en inglés y euskera, pude seguir el desarrollo de la misma sin problemas. Está escrita y dirigida por Phuttiphong Aroonpheng, es su primera película y ya obtuvo el premio a la Mejor Película en la sección Orizzonti del Festival de Venecia. Se nos relata un triángulo sentimental atípico, donde va reconstruyéndose una pareja a través de la ausencia del tercer vértice cambiante del triángulo. La película está ubicada en un pueblo pesquero y bastante aislado de Tailandia, en mitad de unos parajes que parecen extraídos de una ensoñación de cuento macabro, con los ecos de los disparos efectuados en la frontera por el ejército birmano dando caza a los refugiados rohingya que buscan un hogar en un país extraño. Un film de texturas que se respira y siente, una experiencia visual desconcertante que te atrapa en su juego de identidades compartidas.

 

 

Enviado Especial UC (Daniel Farriol).


****